La obra del genio Rembrandt Harmenszoon van Rijn es una de las cumbres de la pintura mundial. La extraordinaria amplitud de la gama temática, el humanismo más profundo que inspiró las obras, la verdadera democracia del arte, la búsqueda constante de los medios artísticos más expresivos, la destreza insuperable le dieron al artista la oportunidad de encarnar las ideas más profundas y avanzadas de la época. El color de las pinturas de Rembrandt de época madura y tardía, construidas sobre una combinación de tonos cálidos, cercanos, iridiscentes en matices sutiles, ligeros, vibrantes y concentrados, como emitidos por los propios objetos, contribuyen a la extraordinaria emotividad de sus obras. Pero los sentimientos elevados y nobles les otorgan un valor especial, que dan una belleza poética y sublime a las cosas cotidianas.
El aprendiz y su tutor, 1629-1630, Museo Getty, Los Ángeles, California
Jeremías de luto por la destrucción de Jerusalén, 1630, Rijksmuseum
Minerva, circa 1631, Rijksmuseum, Berlín
Rembrandt pintó cuadros, retratos y paisajes históricos, bíblicos, mitológicos y cotidianos; fue uno de los más grandes maestros del grabado y el dibujo. Pero en cualquier técnica que trabajara Rembrandt, en el centro de su atención siempre estaba un hombre, con su mundo interior, sus experiencias. Rembrandt a menudo encontró a sus héroes entre los representantes de los pobres holandeses, en ellos reveló los mejores rasgos de carácter, una riqueza espiritual inagotable. El artista llevó su fe en el hombre durante toda su vida, adversidades y pruebas. Ella lo ayudó hasta sus últimos días a crear obras que expresen las mejores aspiraciones del pueblo holandés.
El rapto de Proserpina, hacia 1631, Galería de Arte, Dresde
Lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulpa, 1632, Mauritshuis, La Haya
The Rape of Europa, 1632, Museo Getty, Los Ángeles
Rembrandt Harmenszoon van Rijn nació en 1606 en Leiden, hijo del dueño de un molino. Sus maestros fueron Svannenburg y luego Lastman. En 1625, Rembrandt comenzó a trabajar de forma independiente. Sus primeras obras tienen huellas de la influencia de Lastman, a veces, de los pintores de Utrecht, seguidores de Caravaggio. Pronto, el joven Rembrandt encontró su propio camino, que se veía claramente en los retratos hechos principalmente de él y sus seres queridos. Ya en estas obras, el claroscuro se convirtió para él en uno de los principales medios de expresión artística. Estudió diversas manifestaciones de personajes, expresiones faciales, expresiones faciales, rasgos individuales.
Daniel y el rey persa Ciro frente al ídolo de Baal, 1633, Museo Getty
Diosa de la guerra Bellona, 1633, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
El constructor naval y su esposa, 1633, Galería de arte, Palacio de Buckingham
En 1632, Rembrandt se mudó a Amsterdam e inmediatamente ganó fama por la pintura La lección de anatomía del Dr. Tulpa (1632, La Haya, Mauritshuis). En esencia, se trata de un gran retrato grupal de los médicos que rodearon al Dr. Tulpa y escucharon atentamente sus explicaciones sobre el cadáver anatomizado. Esta construcción de la composición permitió al artista transmitir los rasgos individuales de cada uno de los retratados y vincularlos en un grupo libre con un estado general de profundo interés, para enfatizar la vitalidad de la situación. A diferencia de los retratos grupales de Hals, donde cada uno de los retratados ocupa una posición igual, en el cuadro de Rembrandt todos los personajes están psicológicamente subordinados a Tulpa, cuya figura se destaca por una amplia silueta y un gesto de mano libre. La luz brillante revela el centro de la composición, contribuye a la impresión de concentración del grupo, aumenta la expresión.
El éxito de la primera pintura trajo al artista muchos encargos, y con ellos la prosperidad, que aumentó con su matrimonio con la patricia Saskia van Eilenburch. Uno tras otro, Rembrandt escribe grandes composiciones religiosas, similares a la dinámica y patetismo completos del Sacrificio de Abraham (1635, San Petersburgo, Hermitage), retratos ceremoniales. Se deja llevar por imágenes heroicas y dramáticas, construcciones aparentemente espectaculares, ropas lujosas y exuberantes, contrastes de luces y sombras, ángulos agudos. Rembrandt a menudo retrata a Saskia y a él mismo, jóvenes, felices y llenos de energía. Tales son el "Retrato de Saskia" (alrededor de 1634, Kassel, Galería de Arte), "Autorretrato" (1634, París, Louvre), "Autorretrato con Saskia de rodillas" (alrededor de 1636, Dresde, Galería de Arte) . Rembrandt trabajó mucho en el campo del grabado, dejándose llevar por motivos de género, retratos, paisajes, creó toda una serie de imágenes de representantes de las clases sociales más bajas.
Judith en una recepción con Holofernes (pintura antes conocida como Artemisia), 1634, Museo del Prado, Madrid
Diana y las ninfas se bañan mientras cuentan historias de Acteón y Calisto, 1635, Wasserburg Anholt Museum
Saskia van Eilenburch en traje de Arcadia, 1635, National Gallery, Londres
A fines de la década de 1630, se reveló la gravitación del artista hacia imágenes realistas en pinturas a gran escala. El tema mitológico del cuadro "Dánae" adquirió una solución inusualmente vital y convincente (1636, la mayor parte del cuadro fue reescrito a mediados de la década de 1640, San Petersburgo, Hermitage). Rembrandt rechazó el patetismo violento y los efectos externos y luchó por la expresividad psicológica. Los colores cálidos se hicieron más ricos, la luz adquirió un papel aún más importante, impartiendo especial inquietud y emoción al trabajo.
Hombre en traje oriental, 1633, National Gallery, Washington
Incredulidad del apóstol Tomás, 1634, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, Moscú
Sansón amenaza a su suegro, 1635, Rijksmuseum, Berlín
Con la profundización de la habilidad realista del artista, crecieron sus desacuerdos con el entorno burgués-patricio circundante. En 1642, por encargo de una compañía de fusileros, pintó un cuadro de gran tamaño (3,87 X 5,02 m), debido al oscurecimiento de los colores de vez en cuando, que más tarde se denominó "Night Watch" (Ámsterdam, Rijksmuseum). En lugar de la tradicional fiesta con retratos de sus participantes, donde cada uno es capturado con todo el cuidado de las características individuales, como se hizo antes, el artista representó la actuación de los tiradores en una campaña. Levantando el estandarte, liderados por el capitán, caminan al son de un tambor a través de un ancho puente cerca del edificio del gremio. Un rayo de luz inusualmente brillante, que ilumina las figuras individuales, los rostros de los participantes en la procesión y una niña con un gallo al cinturón, como si se abriera paso entre las filas de tiradores, enfatiza la sorpresa, la dinámica y la emoción de la imagen. Las imágenes de personas valientes, tomadas por un impulso heroico, se combinan aquí con la imagen generalizada del pueblo holandés, inspirado por la conciencia de unidad y la fe en su propia fuerza. Así, el retrato de grupo adquiere el carácter de una especie de cuadro histórico, en el que el artista busca evaluar el presente. Rembrandt encarna su idea de elevados ideales cívicos, de un pueblo que se levantó para luchar por la libertad y la independencia nacional. En los años en los que se revelaban cada vez más las contradicciones internas que dividían al país, el artista hizo un llamado a una proeza civil. Rembrandt se esforzó por crear una imagen de la heroica Holanda, para alabar el entusiasmo patriótico de sus ciudadanos. Sin embargo, esta idea ya era en gran parte ajena a sus clientes.
A lo largo de la década de 1640, crecieron las divergencias del artista con la sociedad burguesa. Esto se ve facilitado por eventos difíciles en su vida personal, la muerte de Saskia. Pero es en este momento cuando llega el momento de la madurez en la obra de Rembrandt. Las escenas dramáticas efectivas de sus primeras pinturas están siendo reemplazadas por la poetización de la vida cotidiana: tramas de un plan lírico, como Adiós a Jonatán de David (1642), La Sagrada Familia (1645, ambas pinturas - San Petersburgo, el Hermitage) , se vuelven predominantes, que la profundidad de los sentimientos humanos conquista con una encarnación sorprendentemente sutil y poderosa. Parecería que en escenas cotidianas simples, en gestos y movimientos tacaños y precisos, el artista revela toda la complejidad de la vida mental, el flujo de pensamientos de los héroes. Lleva la escena del cuadro "La Sagrada Familia" a una casa de campesinos pobres, donde el padre hace carpintería y la joven madre cuida con esmero el sueño del bebé. Cada cosa aquí está avivada con el aliento de la poesía, enfatizando el clima de silencio, calma, serenidad. Esto se ve facilitado por la suave luz que ilumina los rostros de la madre y el bebé, los matices más sutiles del cálido color dorado.
Cristo y María Magdalena en la tumba, 1638, Colección Real, Windsor
Agatha Bass delante de una ventana, 1641, Galería de Arte, Palacio de Buckingham
Predicador Cornelis Claes Ansloh y su esposa Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Museo Berlin-Dahlem
Las imágenes de las obras gráficas de Rembrandt, dibujos y grabados, están llenas de un profundo significado interior. El democratismo de su arte se expresa con especial fuerza en el grabado Cristo curando a los enfermos (hacia 1649, “Una hoja de cien florines”, llamada así por el alto precio que adquiría en las subastas). Llama la atención la penetración de la interpretación de las imágenes de los enfermos y los que sufren, los mendigos y los pobres, que se contrastan con los fariseos santurrones y ricamente vestidos. Auténtica amplitud monumental, pintoresquismo, sutiles y agudos contrastes de luces y sombras, riqueza tonal distinguen sus grabados y dibujos a pluma, tanto temáticos como paisajísticos.
Un lugar importante en el período posterior lo ocupan composiciones simples pero, en la mayoría de los casos, retratos generacionales de familiares y amigos, en los que el artista se centra en revelar el mundo espiritual del retratado. Muchas veces escribe a Hendrickje Stoffels y le revela su bondad y simpatía, nobleza y dignidad, como, por ejemplo, "Hendrickje at the Window" (Berlín, Museo). A menudo, el modelo es su hijo Titus, un joven frágil y enfermizo con un rostro amable y conmovedor. En un retrato con un libro (hacia 1656, Viena, Kunsthistorisches Museum), la imagen parece estar impregnada de luz solar. Entre los más sinceros se encuentran el retrato de Braining (1652, Kassel, Gallery), un joven de cabello dorado con un rostro móvil iluminado por una luz interior, y un retrato del retraído y triste Jan Sixx (1654, Amsterdam, colección de Six ), como si se hubiera detenido en sus pensamientos, poniéndose un guante.
Autorretrato con sombrero de fieltro, 1642, Colección Real, Castillo de Windsor, Londres
Baño de Betsabé, 1643, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Retrato de una dama con las manos juntas (Hendrickje Stoffels?), Circa 1650, Royal Collection, Londres
También pertenecen a este tipo de retratos los posteriores autorretratos del artista, que destacan por la versatilidad de las características psicológicas, expresión de los movimientos más esquivos del alma. El autorretrato del Museo de Viena (hacia 1652) está ejecutado con noble sencillez y majestuosidad; en "Autorretrato" del Louvre (1660), el artista se retrata meditando, intensamente triste. Al mismo tiempo, un retrato de una anciana, la esposa de su hermano (1654, St. mujer sobreviviente. Al concentrar la luz en el rostro y las manos, el artista atrae la atención del espectador hacia ellos, revelando la riqueza espiritual y la dignidad humana de los sujetos. Casi todos estos retratos no están hechos a medida: cada año los pedidos son cada vez menores.
La última década ha sido la más trágica en la vida de Rembrandt; declarado deudor insolvente, se instala en el barrio más pobre de Amsterdam, pierde a sus mejores amigos y seres queridos. Hendrickje y su hijo Titus mueren. Pero las desgracias que le sucedieron no pudieron detener el desarrollo del genio creativo del artista. Las obras más profundas y hermosas fueron escritas por él en este momento. Un retrato de grupo de Sindica (ancianos del taller de telas, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) completa los logros del artista en este género. Su vitalidad radica en la profundidad y especificidad de cada uno de los retratados, en la naturalidad de la composición, clara y equilibrada, en la tacañería y precisión de la selección de los detalles, en la armonía de un esquema cromático sobrio y al mismo tiempo en creando una imagen integral de un grupo de personas unidas por un interés común que protegen ... Una perspectiva inusual enfatiza el carácter monumental de la imagen, el significado y la solemnidad de lo que está sucediendo.
Mujer joven probándose aretes, 1657, Hermitage, San Petersburgo
Artajerjes, Aman y Esther, 1660, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, Moscú
Retrato de familia, 1668, Museo Duke Anton Ulrich, Braunschweig
Varias grandes pinturas temáticas del maestro también pertenecen al período tardío: "La conspiración de Julius Civilis" (1661, Estocolmo, Museo Nacional), una composición histórica que representa al líder de la tribu Batav, que fueron considerados los antepasados de la Holanda, que en el siglo I levantó al pueblo a rebelarse contra Roma, así como pinturas sobre temas bíblicos: "Artajerjes, Aman y Ester" (1660, Moscú, Museo Pushkin). La trama de la parábola bíblica del hijo pródigo atrajo antes al artista, se encuentra en uno de sus grabados. Pero solo hacia el final de su vida Rembrandt llegó a su más profunda revelación. En la imagen de un hombre cansado, arrepentido que cayó de rodillas ante su padre, se expresa el trágico camino del conocimiento de la vida, y en la imagen de un padre que perdonó al hijo pródigo, la mayor felicidad disponible para el hombre, el límite. de sentimientos que llena el corazón, se encarna. La solución a esta gran composición es asombrosamente sencilla, donde los personajes principales parecen iluminados por una luz interior, donde el gesto de las manos del padre que ha encontrado a su hijo vuelve a expresar su infinita bondad, y la figura marchita de un vagabundo. en harapos sucios aferrándose a su padre: todo el poder del arrepentimiento, la tragedia de la búsqueda y las pérdidas. Otros personajes son relegados a un segundo plano, en la sombra parcial, y su compasión y consideración solo enfatizan aún más el amor paternal y el perdón que el gran artista holandés dejó a la gente como testimonio, como si resplandeciera con un cálido resplandor.
La influencia del arte de Rembrandt fue enorme. Afectó la creatividad no solo de sus alumnos inmediatos, de los que Karel Fabricius estuvo más cerca de comprender al maestro, sino también el arte de todos los artistas holandeses más o menos importantes. El arte de Rembrandt tuvo un profundo impacto en el desarrollo de todo el arte realista mundial más tarde. Mientras que el más grande artista holandés, habiendo entrado en conflicto con la sociedad burguesa, murió necesitado, otros pintores, habiendo dominado la habilidad de la representación veraz de lo representado, lograron el reconocimiento y la prosperidad durante su vida. Concentrando sus esfuerzos en el campo de un género particular de pintura, muchos de ellos han creado obras significativas en su campo.
Biografía:
Nació en la ciudad holandesa de Leiden en 1606 el 15 de julio. El padre de Rembrandt era un molinero adinerado, su madre horneaba bien, era hija de un panadero. El apellido "van Rijn" significa literalmente "del Rin", es decir, del río Rin, donde los bisabuelos de Rembrandt tenían molinos. De los 10 hijos de la familia, Rembrandt era el más joven. Otros niños siguieron los pasos de sus padres y Rembrandt eligió un camino diferente, el artístico, y se educó en una escuela latina.
A los 13 años, Rembrandt comenzó a estudiar dibujo y también ingresó en la universidad de la ciudad. La edad no molestaba a nadie entonces, lo principal en ese momento era el conocimiento a nivel. Muchos estudiosos asumen que Rembrandt ingresó a la universidad no para estudiar, sino para obtener un respiro del ejército.
El primer maestro de Rembrandt fue Jacob van Swanenbürch... El futuro artista pasó unos tres años en su estudio, luego se mudó a Amsterdam para estudiar con Peter Lastman. De 1625 a 1626 Rembrandt regresó a su ciudad natal y conoció a artistas y a algunos de los estudiantes de Lastman.
Sin embargo, después de mucha deliberación, Rembrandt decidió que una carrera como artista debería hacerse en la capital de Holanda, y nuevamente se mudó a Amsterdam.
En 1634, Rembrandt se casó con Saskia.... En el momento del matrimonio, todos estaban en buen estado (Rembrandt lo había hecho haciendo dibujos, y los padres de Saskia dejaron una herencia impresionante). Entonces no fue un matrimonio de conveniencia. Realmente se amaban con cariño y pasión.
En la década de 1635-1640. La esposa de Rembrandt dio a luz a tres hijos, pero todos murieron como recién nacidos. En 1641, Saskia dio a luz a un hijo llamado Titus. El niño sobrevivió, pero, lamentablemente, la propia madre murió a los 29 años.
Después de la muerte de su esposa Rembrandt no era él mismo, no sabía qué hacer y encontraba consuelo en el dibujo. Fue en el año en que murió su esposa cuando terminó de pintar La ronda de noche. El joven padre no pudo hacer frente a Titus y, por lo tanto, contrató a una niñera para el niño: Gertier Dirks, quien se convirtió en su amante. Pasaron unos 2 años y la niñera de la casa cambió. Ella se convirtió en una niña Hendrickje Stoffels... ¿Qué pasó con Gertier Dierks? Ella demandó a Rembrandt, creyendo que había violado el acuerdo prenupcial, pero ella perdió la disputa y fue enviada a una casa correccional, donde pasó 5 años. Liberada, murió un año después.
La nueva niñera Hendrickje Stoffels dio a luz a dos hijos de Rembrandt. Su primer hijo, un niño, murió en la infancia, y su hija Carnelia, la única que sobrevivió a su padre.
Poca gente sabe eso Rembrandt tenía una colección muy peculiar, que incluía pinturas de artistas italianos, varios dibujos, grabados, varios bustos e incluso armas.
Las cosas iban mal para Rembrandt. No había suficiente dinero, la cantidad de pedidos disminuyó. Por tanto, el artista vendió parte de su colección, pero esto tampoco lo salvó. Estaba a punto de ir a la cárcel, pero el tribunal estaba a su favor, por lo que se le permitió vender todas sus propiedades y saldar sus deudas. Incluso vivió durante algún tiempo en una casa que ya no le pertenecía.
Mientras tanto, Titus y su madre establecieron una empresa que comerciaba con objetos de arte para ayudar de alguna manera a Rembrandt. En verdad, hasta el final de su vida, el artista nunca pagó muchos, pero esto no arruinó la reputación de Rembrandt, siguió siendo una persona digna a los ojos de la gente.
La muerte de Rembrandt fue muy triste. En 1663 murió el favorito del artista, Hendrickje. Algún tiempo después, Rembrandt enterró a su hijo Titus y a su novia. En 1669, el 4 de octubre, él mismo dejó este mundo, pero dejó una huella en el corazón de las personas que lo aman para siempre.
Regreso del hijo pródigo, 1669. Óleo sobre lienzo, 262х206.
Quizás ningún otro cuadro de Rembrandt inspire sentimientos tan sublimes como este cuadro. La trama está tomada del Nuevo Testamento. Jesús cuenta una parábola sobre un hijo que recibe su parte de la propiedad de su padre y la esparce al otro lado, viviendo disolutamente. Cuando, armado de valor, regresa a casa, su padre inmediatamente lo perdona y acepta con alegría. El significado religioso de la parábola es el siguiente: no importa cuánto peca una persona, el arrepentimiento siempre será recompensado con un perdón gozoso. Aquí Rembrandt, aparentemente, se comprometió a investigar el significado humano universal de la parábola. El pelo corto en la cabeza del hijo pródigo y la ropa hecha jirones hablan por sí mismos, y el cuello conserva un toque de lujo anterior. Sus zapatos están gastados, dejó caer uno, arrodillándose frente a su padre. El padre abraza a su hijo contra su pecho, perdonándolo. Es característico que Rembrandt evite el conflicto de la parábola: habla de los celos de un hijo obediente, aunque, quizás, se encuentra en la sombra detrás de su padre.
Sagrada familia y ángeles, 1645. Óleo sobre lienzo, 117x91.
Ermita del Estado, San Petersburgo
Este cuadro, impregnado de una ternura asombrosa, confirma el don de Rembrandt de mezclar lo divino y lo terrenal hasta tal punto que ya no es posible trazar una línea entre ellos. La Madre de Dios interrumpió la lectura para enderezar el velo del Bebé, o tal vez para cubrir Su rostro de la luz brillante, diseñada para enfatizar Su grandeza. Llena de ternura, María se inclina sobre Jesús, comprobando una vez más si todo estaba en orden con el niño con verdadero cuidado maternal. El bebé duerme profundamente en una cuna de mimbre, sin darse cuenta de lo que sucede a su alrededor. Al fondo, el esposo de María, José, es carpintero. Madre, hijo, incluso cuna: tipos puramente holandeses del siglo XVII. Esta podría ser, quizás, cualquier familia común, si no fuera por los niños-ángeles que vuelan desde el cielo.
El regreso del hijo pródigo. Detalle, 1669.
Óleo sobre lienzo, 262x206. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo
El rapto de Ganimedes, 1635. Óleo sobre lienzo, 171x130.
Galería de imágenes de Dresde, Dresde
Sofoniba toma un cuenco de veneno, 1634.
Óleo sobre lienzo, 142x152. Museo del Prado, Madrid, España
La figura majestuosa de esta imagen se parece mucho a Saskia, aunque la historia de Sofoniba no encaja del todo con la joven esposa. Sofoniba, hija del comandante cartaginés Asdrúbal, vivió en una época en la que Cartago libraba una feroz guerra con Roma. Para consolidar la alianza con los númidas, Asdrúbal casó a su hija con el rey de Sifax, pero éste fue derrotado por el aliado de los romanos Masinissa, que de inmediato quiso tomar a la reina como esposa. Cuando los romanos le prohibieron este matrimonio, salvó a Sofoniba de una mayor humillación enviándole un cuenco de veneno, que la reina bebió sin dudarlo. Puede que Rembrandt no se haya tomado en serio esta historia romántica, pero la pintura representa un momento decisivo y una acción deliberada, siendo en algunos aspectos comparable a la más famosa y menos teatral "Betsabé".
Betsabé, 1654. Óleo sobre lienzo, 142х142.
Louvre, París, Francia
Escrito cuando el artista estaba en su mejor momento. Muchos expertos creen que esta pintura es la más grande de todas las creaciones de Rembrandt. Se considera que la belleza representada por Betsabé, a quien el rey David vio y deseó. Ella se entregó a él y concibió. Las complicaciones que siguieron culminaron con el asesinato del esposo de Betsabé, a quien David había enviado a una muerte segura. La historia es desagradable y los comentaristas han expresado de manera diferente los sentimientos de Betsabé. Pero, como suele ocurrir con las pinturas de Rembrandt, probablemente sea un error entrar en los entresijos de la interpretación. Quizás sea suficiente decir que Betsabé contempla con tristeza su destino. La composición repite en gran medida el relieve antiguo, que representa a una novia preparándose para la boda. Rembrandt pintó a Betsabé desnuda y le dio al cuadro una emotividad pronunciada. El modelo de Betsabé fue probablemente la novia de Rembrandt, Hendrickje Stoffels.
Simeón en el templo, 1669. Óleo sobre lienzo, 98x79.
Estocolmo, Museo Nacional
Aunque este encargo comenzó en 1661, quedó inacabado en el taller de Rembrandt hasta su muerte en 1669. La imagen está escrita en la trama de una profecía cumplida. Se predijo al élder Simeon que “no verá la muerte hasta que vea a Cristo. Del Señor. " Y finalmente lo conoció cuando María y José llevaron a Jesús al templo. Rembrandt ya ha creado una excelente versión personalizada sobre este tema (1631). Allí, la acción tiene lugar bajo las altas bóvedas del templo, y el trabajo en sí se realiza de una manera detallada típica del período de juventud, éxito y gloria. Aquí, la forma libre de escribir de los últimos años se nota especialmente porque la obra no está terminada, aunque esto es poco significativo: todo está centrado en el momento en que el anciano medio ciego sacude al Bebé envuelto en pañales, una escena llena de de infinita ternura.
David y Urías, 1665. Óleo sobre lienzo, 127х117.
Ermita del Estado, San Petersburgo
Ni la fecha de escritura ni la trama de esta hermosa imagen, imbuida de estado de ánimo, se conocen con exactitud, lo que se convirtió en el motivo de varias suposiciones. Según una versión, este trabajo está asociado con "Artajerjes, Aman y Esther". Se cree que esto representa la remoción de Amán del negocio, o el momento en que recibe el permiso del rey para exterminar a todos los judíos. Este argumento está respaldado por la evidencia de que ambas pinturas son escenas de una obra de teatro representada en 1659, en lugar de estar basadas directamente en una fuente bíblica. Ciertamente hay algo teatral aquí, pero aparte de las inconsistencias en los detalles, las supuestas tramas no corresponden al estado de ánimo de tristeza oculta que inspira la imagen. Por lo tanto, es legítimo volver a la versión anterior. En este caso, la figura en rojo es el marido de la tentada Betsabé Urías, a quien David, alarmado por el remordimiento, envía a una muerte segura.
Descenso de la cruz. 1634. Óleo sobre lienzo, 158х117.
Ermita del Estado, San Petersburgo
El descenso de la cruz es un tema común en la pintura europea. Según la tradición, la Madre de Dios, varios discípulos de Jesús y José de Arimatea están representados entre los presentes. En la década de 1930, Rembrandt pintó varios cuadros sobre el tema de la Pasión del Señor, entre ellos "La exaltación de la cruz" y "Descenso de la cruz" para el estadista de los Países Bajos de Frederick Hendrik. Las dimensiones de esta imagen son más grandes, los tonos son más ricos. Fue escrito unos meses más tarde y fue conservado por el propio artista hasta 1656, cuando se declaró en quiebra. La figura rota de Cristo está inundada de luz brillante, la Madre de Dios ha perdido los sentidos, lujosos velos se colocan sobre la tierra, en los que Él yacerá hasta que resucite.
El sacrificio de Abraham, 1635.
Óleo sobre lienzo, 193х133. Ermita del Estado, San Petersburgo
Este es uno de los momentos más dramáticos del Antiguo Testamento. Abraham, por orden de arriba, está listo para ofrecer a su único hijo Isaac como sacrificio a Dios y ya ha levantado un cuchillo sobre él, atado, para apuñalarlo como holocausto. En la pintura, Isaac está acostado en el altar sobre la madera. En las Sagradas Escrituras, el ángel del Señor llama a Abraham, quien ha pasado la prueba de la obediencia a Dios, y le dice que se detenga. Rembrandt intensifica el drama de lo que está sucediendo: en la imagen, un ángel agarra a Abraham por el cepillo y el cuchillo cae. La escena gana en persuasión también porque la gran mano de Abraham cubrió el rostro de su hijo, la cabeza de Isaac está echada hacia atrás y parece que un cuchillo está a punto de hundirse en su garganta. Otra versión de este tema se conserva en Munich, pero puede haber pertenecido al pincel de Rembrandt solo parcialmente.
Fiesta de Belsasar. 1635. Óleo sobre lienzo, 168х209.
Galería Nacional de Londres
Los grandes lienzos con efectos teatrales fueron populares en los Países Bajos durante la vida de Rembrandt. La fiesta de Belsasar demuestra la magistral interpretación del artista de tales temas. El rey de Babilonia Belsasar se describe en el libro del profeta Daniel del Antiguo Testamento. En una fiesta llena de gente, ordenó traer platos de oro y plata, que su padre Nabucodonosor tomó del santuario del templo de Jerusalén. El rey ordenó llenar los vasos de vino para sus nobles, esposas y concubinas. Cuando ocurrió esta blasfemia, una mano misteriosa apareció de repente y escribió palabras extrañas en la pared: "Mene, Mene, Tekel, Uparsin". Daniel le dijo al rey que se referían a su condenación; la predicción se hizo realidad esa misma noche. En el cuadro de Rembrandt se explora el asombro y el miedo, intensificados por el vino que brota de los vasos sagrados, que también es simbólico. Sorprende la inscripción realizada en hebreo, cuya especial ordenación de las letras recuerda al vecino de Rembrandt, el judío Manasse ben Israel, con quien, como bien sabéis, el artista mantenía relaciones.
Susana y los ancianos, 1647. Caoba, aceite, 77х93.
Museo Staatlich, Berlín, Alemania
La historia de Susanna se remonta a los Apócrifos, un conjunto de escritos bíblicos cuya autenticidad ha sido cuestionada durante mucho tiempo. Sin embargo, esto no impidió que los artistas, católicos y protestantes, crearan pinturas sobre este tema, llenas de dramatismo y encanto erótico. Cuando Susana va al estanque de su jardín, dos ancianos salen de su escondite y comienzan a persuadirla de pecar, amenazándola con que si no comparte la cama con ellos, testificarán falsamente que ha cometido adulterio con otra persona. Susana se niega y los ancianos reciben la orden de detenerla, pero la intervención del profeta Daniel salva a la virtuosa belleza. Rembrandt comenzó esta pintura a mediados de los años 30, pero no se vendió hasta 1647. Susanna, tratando en vano de tapar su desnudez, está más enojada que asustada, pero la mayor, arrancándole el velo, asombra con la precisión de la observación. Las sandalias arrojadas a la orilla parecen haber sido símbolos eróticos elocuentes en el arte holandés del siglo XVII.
San Mateo y el ángel, 1661.
Óleo sobre lienzo, 96x81. Museo del Louvre, París
Uno de una serie de retratos de los apóstoles, pintado a principios de los años 60. A diferencia de otros retratos de una figura aquí, detrás del apóstol, se representa un ángel, lo que inspira a Mateo a escribir el Evangelio. El ángel recuerda mucho a Tito, quien bien podría haber sido un modelo para él, pero el apóstol claramente no es Rembrandt en apariencia. Además del significado religioso, la imagen transmite notablemente el contraste entre la juventud y la vejez, aunque los roles son opuestos en el diseño. Un joven angelical, tranquilo, seguro de sí mismo, consuela a Matthew colocando su mano sobre el hombro del anciano. San Mateo está sumido en sus pensamientos, su mano con las venas hinchadas tira de su barba. El libro no es una reproducción exacta de un manuscrito antiguo, pero está escrito con maestría.
Arcángel dejando a la familia Tobías, 1637.
Madera, óleo, 66x52. Museo del Louvre, París
Cristo y la mujer condenada por adulterio, 1644.
Oleo sobre madera, 84x66. Galería Nacional de Londres
Este espectacular trabajo da la impresión de decoración y posiblemente fue escrito a pedido de un cliente adinerado. El grupo central está representado con perfecta completitud, de manera detallada, del que en los años 40 Rembrandt se aleja gradualmente. La exuberante decoración en rojo y oro se asemeja a un palacio barroco en su brillo, aunque en realidad es un templo de Jerusalén. Los escribas y fariseos llevaron a Jesús a una mujer que había sido sorprendida en adulterio. Con la esperanza de atrapar a Jesús, preguntaron si se debía apedrear tal piedra, como prescribe la ley de Moisés. Jesús respondió: "El que no tiene pecado, sea el primero en arrojarle una piedra". Los acusadores avergonzados se retiraron, y Jesús le dijo a la mujer que se fuera y no pecara más. La imagen se basa en contrastes dramáticos: Jesús y sus discípulos vestidos con sencillas túnicas marrones, un pecador encantador y avergonzado, escribas y fariseos con ropas lujosas.
Sansón y Dalila, 1628. Roble, óleo, 61x50.
Museo Staatlich, Berlín
Cristo en Emaús, 1648.
Óleo sobre lienzo, 42x60. Museo del Louvre, París
Uno de los temas favoritos de Rembrandt, basado en un episodio del Evangelio de Lucas. Después de que Jesús fue crucificado, dos de sus discípulos fueron a Emaús, un pueblo cerca de Jerusalén. Un extraño se les acercó, fue con ellos, les explicó las Escrituras todo el camino y compartió con ellos una comida en la casa a la que habían venido. Cuando partió el pan y se lo dio, se les abrieron los ojos y reconocieron a Jesús, que había resucitado de entre los muertos, pero inmediatamente se volvió invisible para ellos. En una de las primeras versiones de esta pintura (hacia 1629), Rembrandt describió dramáticamente el momento de la revelación: la silueta de Jesús y los discípulos, como si hubiera sido alcanzado por un rayo. Aquí se enfatiza la naturalidad y humanidad de lo que está sucediendo: solo un tenue halo sobre la cabeza de Jesús y una mirada entusiasta hacia arriba indican su divinidad, que, obviamente, el niño-criado no se da cuenta.
La incredulidad del apóstol Tomás, 1634. Óleo sobre tabla, 53x51.
Museo de Bellas Artes que lleva el nombre de Pushkin, Moscú
Santo Tomás, uno de los doce discípulos de Cristo, se menciona varias veces en el Nuevo Testamento. Rembrandt representó un episodio famoso del Evangelio de Juan. Después de ser bajado de la cruz, Jesús se apareció a los discípulos y mostró sus heridas. Tomás no estaba allí, y cuando los otros discípulos le contaron lo que habían visto, Tomás se negó a creerles, diciendo: “Si no veo las heridas de las uñas en mis manos y pongo mi dedo en las heridas de las uñas, y pongo mi mano en sus costillas, no creeré ". Ocho días después, según Juan, Jesús se apareció nuevamente a los discípulos y le dijo a Tomás que se tocara las heridas. Tomás, desconcertado, reconoció en Jesús al Señor Dios. Rembrandt representó una escena nocturna: el resplandor que emana de Jesús parece ser la única fuente de luz de la que el creyente Tomás se aleja avergonzado.
Moisés con las Tablas de las Leyes, 1659.
Óleo sobre lienzo, 169х137. Museo Staatlich, Berlín
El legislador Moisés acababa de bajar del monte Sinaí con dos tablas de piedra “en las que estaba escrito por el dedo de Dios” los Diez Mandamientos. Este es sin duda un evento solemne, pero es difícil estar seguro si este es un momento de triunfo o de ira cuando Moisés, al ver que los hijos de Israel adoran al becerro de oro, arrojó las tablas de sus manos y las rompió debajo de la montaña. Esta pintura puede haber sido encargada al jefe de algún gremio y está destinada a decorar la chimenea del Ayuntamiento de Ámsterdam.
Joseph, que atrapó a la esposa de Potifar, 1655. Óleo sobre lienzo, 106x98.
Galería Nacional de Arte, Washington
Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Retrato de un anciano de rojo, 1654.
Óleo sobre lienzo, 108x86. Ermita, San Petersburgo
Retrato de Saskia como Flora, 1634. Óleo sobre lienzo, 125x101. Ermita, San Petersburgo
Este adorable retrato de la joven Saskia fue pintado el año en que se casó con Rembrandt. El rostro pensativo, pero sin duda feliz, de la niña es bastante acorde con los sentimientos de la novia. El tocado y la varita, entrelazados con flores, indican sin duda a Flora, la antigua diosa romana de la primavera. El atuendo de la diosa está pintado con asombrosa habilidad, pero la verdadera grandeza del talento de Rembrandt se manifiesta en la expresión de ternura que la artista le dio a su rostro. Un año después, volvió a pintar a Saskia en forma de Flora, también una obra famosa, aunque la radiografía mostró que en un principio tenía la intención de retratarla como la Judith bíblica con la cabeza cortada de Holofernes, que sostiene en su regazo. .
Retrato de una anciana, 1654. Óleo sobre lienzo, 109x84. Ermita, San Petersburgo
Retrato de Jan Sixx, 1654. Óleo sobre lienzo, 112x102. Amsterdam, Colección Six
Posiblemente el mejor de los retratos de Rembrandt. Es una maravillosa combinación de precisión y perspicacia. Algunos detalles del retrato están cuidadosamente escritos, mientras que otros se indican audazmente como si fueran de pasada. Destacan los botones del caftán y los bordados dorados del lujoso manto rojo, pero la mirada se detiene involuntariamente en las manos pintadas con enérgicos trazos; Sixx se pone un guante lentamente: ¡cuánto movimiento aporta el artista a esto! El rostro también llama la atención, especialmente la mirada inmersa en sí misma, que no se corresponde del todo con la apariencia secular de Six. El cliente mencionó este retrato en su diario: "Tenía un rostro así, Jan Six, que adoraba a las musas desde la infancia". Sixx escribía poesía y coleccionaba arte, pero también era un comerciante rico e ingenioso. Hasta mediados de los años 50, Rembrandt completó muchos pedidos para él.
Novia judía, 1665. Óleo sobre lienzo, 122x164. Museo Ricks, Ámsterdam
El nombre comúnmente aceptado "La novia judía" se basa en una interpretación antigua, ahora rechazada, que data del siglo XIX. Se puede decir con casi certeza que una mujer no es en modo alguno una novia o una judía, excepto que está representada en un estilo imaginario, pseudobíblico, característico de las pinturas históricas de Rembrandt. El artista mantuvo relaciones con la comunidad judía de Amsterdam, a menudo pintaba retratos de judíos, lo que llevó a los investigadores a hacer una serie de suposiciones sin fundamento. Las siguientes versiones ahora son populares (había alrededor de 12 de ellas en total): ante nosotros hay una escena teatral o un episodio de la Biblia, y la trama es la siguiente: Isaac, viviendo con los filisteos, en público llama a su esposa Rebeca. su hermana y se atreve a abrazarla solo en momentos de soledad. Lo que es realmente importante: estos dos están profundamente enamorados. La pintura es una de las obras maestras del último período de Rembrandt, caracterizada por tonos rojos y marrones dorados. La ropa en algunos lugares se pinta con trazos rápidos, los tonos alcanzan una saturación luminosa, de color sorprendentemente cálido y al mismo tiempo no autosuficiente, lo que solo realza la emocionalidad de la escena.
Night Watch, 1642. Óleo sobre lienzo, 363x437. Museo Ricks, Ámsterdam
Esta pintura más famosa de Rembrandt durante los dos últimos siglos se conoce como "Ronda de noche". El análisis moderno de las capas de pintura reveló que originalmente era una escena diurna, pero el nombre ya se había vuelto familiar y no se podía cambiar. En la imagen, el gremio de tiradores locales actúa bajo el liderazgo del Capitán Frans Banning Kok (vestido de negro). Durante varias décadas antes, los fusileros-guardias formaban un importante escuadrón de voluntarios que ayudaron a defender el país de la amenaza de la invasión española, pero en los años 40 mucho había cambiado: ahora los respetables habitantes ricos se unieron en sociedades de tiro. El artista introdujo un elemento de heroísmo en lo representado, como si reviviera el antiguo patriotismo. Se transmite la atmósfera de tales procesiones con banderas ondeando, tamborileando, cargando mosquetes. "Night Watch": un retrato de grupo, que se pagó con todas las flechas representadas, pero Rembrandt lo cambió: presentó observadores al azar que no le pagaron nada; Como resultado, el retrato se convirtió en una escena multicolor de una multitud reunida en la calle con movimiento confuso y una iluminación peculiar La imagen está cortada por los lados, especialmente por la izquierda, lo que viola un poco la composición.
Retrato de familia, 1666-68. Óleo sobre lienzo, 126x167. Museo Duke Anton Ulrich, Braunschweig
Retrato de los síndicos del taller de telares, 1662. Óleo sobre lienzo, 192х279. Museo Ricks, Ámsterdam
La pintura se conoce con los nombres: "Síndicos", "Ancianos de la tienda de telas"; ambos no son del todo precisos y están asociados con una institución dependiente del gremio de fabricantes de telas diseñada para tomar muestras de telas y verificar su calidad. Este es el último retrato de grupo creado por Rembrandt. Se logra un estado de ánimo peculiar y pronunciado por el hecho de que los funcionarios nos miran directamente, y el espectador tiene la sensación de que será interrogado y acusado de algo. De hecho, este punto de vista probablemente fue aprobado por el propio cliente, ya que se suponía que la pintura colgaría sobre la chimenea en el edificio principal del gremio junto con los retratos grupales anteriores. Tradicionalmente, representaban a cinco funcionarios sentados y un sirviente detrás. Rembrandt revivió la composición cambiando las tradiciones: un funcionario se levanta de su asiento, como dando una señal de que la reunión ha terminado.
Autorretrato con Saskia arrodillada, 1635.
Óleo sobre lienzo, 161х131. Galería de Dresde
Un caballero alegre con una niña de rodillas sostiene un vaso en la mano. En la mesa festiva hay un pastel de pavo real. Los festejos se sentaron de espaldas al público, ahora voltearon la cara para beber por nuestra salud. Sorprendentemente, se sabe muy poco con certeza sobre este trabajo. Es innegable, en particular, la autoría de Rembrandt, hay informaciones de que lo guardaba en casa, no queriendo venderlo, porque, quizás, que el cuadro le era querido. A menudo se la llama "Autorretrato con Saskia de rodillas". Quizás la pareja organizó una mascarada por diversión, siguiendo la moda de las escenas de la vida de la corte, o quizás glorificando su riqueza. Sin embargo, hay otra versión: la pintura supuestamente representa al hijo pródigo derrochando la herencia. En este caso, mirando la divertida escena, difícilmente podemos adivinar cómo terminará esta historia (ver la imagen sobre el regreso del hijo pródigo)
Retrato de Nicholas Van Bambek. 1641.
Óleo sobre lienzo, 106x84. Museo Real de Bellas Artes de Bruselas
Nicholas Van Bambek era un artista, pero como dijo con tristeza uno de sus amigos, un rico legado empañó su ambición y, al final, no cumplió con las expectativas. Sin embargo, Nicolás patrocinó a Rembrandt, le compró la controversia académica y pagó para posar para su retrato. Van Bambek y su amigo, el secretario del Consejo de Estado, Maurits Hagens, aparentemente encargaron sus retratos a Rembrandt en La Haya. Los amigos decidieron: si uno de ellos muere, su retrato debe ir al sobreviviente, y en 1641, después de la muerte de Bambek, la pintura fue heredada por Hagens. En un retrato lleno de bondad y compasión, De Gein parece un hombre orgulloso y seguro. La luz suave difusa enfatiza favorablemente su figura y textura del cuello blanco y mangas del vestido. Sin embargo, otro mecenas de Rembrandt, el hermano de Maurits, Constantin Hagens, escribió al menos ocho líneas de poesía en las que se quejaba de que el retrato no tenía nada que ver con el original.
Frederic Richel a caballo, 1663.
Óleo sobre lienzo, 282x248. Galería Nacional de Londres
Mujer que se baña, 1654. Óleo sobre tabla, 62х47.
Galería Nacional, Londres
Se sugiere involuntariamente una comparación con Betsabé, que se escribió al mismo tiempo y casi con certeza representa el mismo modelo: Hendrickje Stoffels. Incluso "Susanna" se recuerda con asociaciones con el baño, pero este tipo de conexión solo puede significar que Rembrandt era adicto a tales temas y encontró en ellos un pretexto para expresar el erotismo. Aunque el representado puede ser llamado un personaje bíblico histórico, ciertamente no es de la clase común, a juzgar por el lujoso vestido que yace en la orilla. Aparentemente, este es un trabajo de boceto. Se pintó con trazos apresurados y superficiales, que se pueden ver incluso en la imagen de las piernas, pero sobre todo en la camiseta. Sin embargo, Rembrandt debió estar orgulloso de esta obra, ya que está firmada y fechada.
Hendrickje Stoffels en la ventana, 1656.
Óleo sobre lienzo, 86x65. Museo Staatlich, Berlín
Un anciano con sombrero de piel, 1630. Óleo sobre madera, 22х18.
Museo Nacional del Tirol Ferdinandeum, Innsbruck
Retrato de una joven Saskia, 1633.
Roble, aceite, 53х45. Galería Nacional de Dresde
Leyendo a Tito, hijo de un artista, 1657.
Óleo sobre lienzo, 71x64. Gabinete histórico de curiosidades, Viena
Titus, nacido en 1641, es el único hijo de Rembrandt y Saskia que no murió en la infancia. Aquí no tiene más de quince años; Todos los retratos que Rembrandt hace de su hijo, llenos de tierno amor, indican la disposición afable y mansa del niño. Titus jugó un papel importante en la vida del artista, siendo el heredero de la fortuna de Saskia, de la que Rembrandt solo tuvo que deshacerse temporalmente, así como el abogado de su padre. En 1660, Titus y Hendrickje formaron una empresa que incluía a Rembrandt. Esto se hizo para evitar que las ganancias del artista cayeran en manos de los acreedores. Después de la muerte de Hendrickje, Titus continuó dirigiendo los asuntos de su padre. En 1665, alcanzó la mayoría de edad, y si por ley comenzó a disponer del dinero de Saskia, entonces, sin duda, él era el sostén económico de la familia. En febrero de 1668, Titus se casó, pero murió siete meses después a la edad de veintiséis años.
Retrato de Tito, hijo de Rembrandt, 1657.
Óleo sobre lienzo, 69x57. Londres, Colección Wallace
Aristóteles con un busto de Homero, 1653.
Óleo sobre lienzo, 144х137. Museo Metropolitano de Nueva York
Un hombre con un casco de oro, 1650.
Óleo sobre lienzo, 68x51. Museo Staatlich, Berlín
No hay nada que contar sobre este militar, sin embargo, la imagen siempre ha sido popular. Lo que explica en parte su encanto es el contraste del pectoral pulido de la coraza, el magnífico casco de trabajo (por supuesto, ceremonial, no de combate) y la expresión lúgubre-melancólica de su rostro. Este contraste es común en los autorretratos de Rembrandt; quizás por eso empezaron a creer que aquí se representa al hermano del artista. De hecho, muchas autoridades se negaron a reconocer la autoría de Rembrandt; sus dudas fueron confirmadas por la investigación del Programa de Investigación Rembrandt, financiado por el gobierno holandés. El "Viejo con casco" es sólo una de las "víctimas" del Programa, que atribuyó muchas obras a los estudiantes y seguidores de Rembrandt.
Suicidio de Lucrecia, 1666. Óleo sobre lienzo, 105x93.
Instituto de las Artes, Minneapolis
El suicidio de Lucrecia se menciona en la antigua leyenda romana sobre los motivos de la caída de la monarquía y el establecimiento de la república. Deshonrada por el hijo del emperador romano Tarquinia, Lucretia le cuenta a su marido sobre su vergüenza. Pide venganza y luego se impone a sí mismo. Esta trama ha sido utilizada a menudo por artistas y escritores. A finales del siglo XVI, antes de hacerse famoso en el teatro, Shakespeare escribió el gran poema "Aukretius Dishonored". Los pinceles de Rembrandt pertenecen a dos pinturas sobre este tema. Principios (1664) Lucretia sostiene un cuchillo, preparándose para morir. Aquí ya se ha infligido una herida mortal, como se puede ver en la mancha de sangre que se extiende sobre una camisa delgada. Ella todavía se mantiene erguida, agarrándose por un momento, buscando apoyo, por la correa de la campana, un hallazgo útil que permite a la modelo sostener su mano en una posición elevada durante mucho tiempo, pero la palidez mortal de su rostro indica que el fin está cerca.
Retrato de Hendrickje Stofells, 1659.
Óleo sobre lienzo, 68x80. Galería Nacional de Londres
Teacher, 1631. Óleo sobre lienzo, 105x91.
Ermita, San Petersburgo
Jinete polaco, 1655.
Óleo sobre lienzo, 115x135. Frick Collection, Nueva York
La misteriosa y romántica figura del joven jinete ha causado más polémica que cualquier otro cuadro de Rembrandt, cuya controvertida autoría es solo una de las ambigüedades asociadas a esta obra. El sombrero con adornos de piel y el caftán parecen de Europa del Este, pero tal vez esto sea solo otra excursión a la mascarada teatral. Si es así, entonces la imagen está relacionada con Polonia no en la trama, sino solo porque fue adquirida más tarde por los polacos. Por otro lado, hay un hecho intrigante: en 1654 en Amsterdam se publicó un panfleto titulado "El jinete polaco" en defensa de la secta socialista radical. Existe amplia evidencia de que Rembrandt simpatizó en ocasiones con el sectarismo. Otro misterio: un caballo muy poco convincente. Se puede solucionar atribuyendo la autoría del cuadro a algún alumno de Rembrandt, por ejemplo, William Drost. Así lo decidió la Comisión del Programa, pero su investigación atrajo críticas y en 1993 el Programa dejó de funcionar.
Lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulpe, 1632.
Óleo sobre lienzo, 170x217. Maurits House, La Haya
Rembrandt esta pintura, basada en una conferencia dada en enero de 1632 por el Dr. Nicholas Tulip. Aunque el artista se había mudado a Amsterdam poco antes, ya había demostrado que podía hacer un gran trabajo, pintó un par de magníficos retratos, después de lo cual recibió el encargo de una lección de anatomía. Quizás el papel decisivo lo jugó el patrocinio de Hendrik van Eilenbürch, con quien Rembrandt se alojó. Eilenbürch ha comercializado pinturas con éxito en el pasado, patrocinando y creando un nombre para artistas jóvenes. Rembrandt se convirtió en su último protegido. La escuela holandesa era famosa por los retratos grupales, y este estaba destinado a ser un regalo para el Dr. Tulpe, y sus colegas esperaban aparecer en la imagen con la luz más favorable. El pintor enfrentó brillantemente esta tarea: transmitió la individualidad de cada uno y combinó la composición: Tulip lee una conferencia y el público observa con interés profesional el cadáver del criminal ejecutado. Gracias a la lección de anatomía, Rembrandt se hizo famoso de inmediato.
Retrato de Saskia con un magnífico vestido, 1642.
Óleo sobre lienzo, 100x79. Kassel, Museo Staatlich
Autorretrato de Rembrandt, 1661. Óleo sobre lienzo, 114x91.
Kenwood House, Londres, herencia inglesa
Rembrandt estableció como regla escribir autorretratos, pero rara vez se retrató a sí mismo en el trabajo. De hecho, este es el segundo de una serie de autorretratos en los que aparece con un caballete, pinceles y un taladro que utilizan los pintores como soporte de su mano. La luz de fondo es una técnica inusual necesaria para que el espectador vea las líneas curvas en la pared detrás de la persona retratada. Se han propuesto muchas explicaciones al respecto; Hoy en día, una versión popular es que estas líneas son una conexión con el trabajo de artistas tan legendarios como Apelles y Giotto, quienes demostraron sus habilidades dibujando una línea o círculo impecablemente correcto. Si esta explicación es correcta, el autorretrato afirma el derecho del artista a ser considerado el verdadero maestro de su tiempo.
Autorretrato del artista en el caballete, 1660.
Óleo sobre lienzo, 111x90. Louvre, París, Francia
Autorretrato de Rembrandt, 1659. Óleo sobre lienzo, 85x66.
Galería Nacional de Arte, Washington, EE. UU.
Autorretrato de Rembrandt, 1669. Óleo sobre lienzo, 86x71.
Galería Nacional de Londres, Reino Unido
Como el autorretrato en la imagen de Zevkis, éste fue pintado en el último año de su vida. Es cierto que esta vez no hay rastro de humor negro y no hay indicios abiertos de la proximidad de la muerte. En ningún autorretrato Rembrandt parece tan dócilmente sumiso al destino. Un artista anciano, vestido con un traje sencillo, juntó las manos, nos mira sin pedir nada, sin quejarse de nada. Al parecer, ya no está destinado a saber si su muerte fue precipitada por la muerte de Tito en septiembre de 1668. En cualquier caso, trece meses después, el 4 de octubre de 1669, falleció en su casa de Rosengracht, y solo tenía 63 años. Cuatro días después fue enterrado en el cementerio de Amsterdam en Westerkerk. La tumba de Rembrandt se perdió, pero su obra perdurará durante siglos.
Autorretrato a imagen de Zeuxis, 1665. Óleo sobre lienzo, 83x65.
Museo Walfraf Richhartz, Colonia, Alemania
Rembrandt se pintó a sí mismo desde diferentes ángulos, en todo tipo de formas. A veces se evaluaba con una mirada sobria, notando los signos de la vejez en su rostro azul y flácido, pero a menudo le gustaba aparecer en varias imágenes: se vistió de guerrero con armadura, luego de rey imponente, luego de apóstol Pablo. . Las características de ambos estilos son visibles aquí. Se representa a un anciano frágil, el tiempo ha desfigurado su rostro casi irreconocible, mucho más que en un autorretrato del mismo año. Al parecer, está al borde de la muerte. Pero no olvide que este es también un retrato de Zeuxis, un artista griego antiguo. Él, como saben, pintó a una anciana con el rostro arrugado, y su imagen le divirtió tanto que se rió sin cesar hasta morir. El elemento de conexión aquí, por supuesto, es la muerte, y si este autorretrato es una broma, entonces está lleno de humor negro.
Autorretrato, 1629. Madera, óleo, 16х13.
Alta Pinakothek, Múnich
Autorretrato, 1659. Óleo sobre lienzo, 85x66.
Galería Nacional de Arte de Washington
Auto retrato. 1658. Óleo sobre lienzo, 134x104.
Frick Collection, Nueva York
Autorretrato con boina de pana, 1634.
Óleo sobre lienzo, 58x48. Museo Staatlich, Berlín. Alemania
En 1634, Rembrandt ya había pintado varios autorretratos y se iban a crear muchos más. Ningún otro artista se ha estudiado a sí mismo con tanta curiosidad a lo largo de su vida, reflexionando sobre la vejez, la experiencia acumulada, los éxitos y fracasos. Aquí, el énfasis parece estar en el éxito. Vestido con terciopelo negro y pieles caras, el joven artista de moda mira con confianza al espectador. Sin embargo, esto no es una glorificación de la riqueza y la complacencia. La mirada de Rembrandt ya intenta comprender el misterio del ser. El artista de veintiocho años es claramente la misma persona que el maestro de cincuenta y cinco años que mira con un desafío, así como el hombre de sesenta y tres años que experimentó dolores y dificultades, al borde del camino. de la muerte (Autorretrato disfrazado de Zevkis). El parentesco espiritual de los autorretratos es especialmente impresionante si recordamos que aquí Rembrandt aún no ha alcanzado la cima del éxito y solo se va a casar, sin darse cuenta de las pruebas que le esperan en el futuro.
¿Por qué es famoso Rembrandt Harmenszoon van Rijn? Toda persona educada debería conocer su nombre. Es un talentoso artista holandés, grabador, maestro insuperable del claroscuro, uno de los mayores representantes de la edad de oro, la época sobresaliente de la pintura holandesa, que cayó en el siglo XVII. El artículo contará sobre la vida y el trabajo de esta persona talentosa.
Rembrandt van Rijn llegó a este mundo en julio de 1606. Nació en la familia de un molinero adinerado. Era el noveno hijo, el más joven de la familia. Sus padres eran personas iluminadas. Pronto se dieron cuenta de que el niño estaba naturalmente dotado de inteligencia y talento, y en lugar de una artesanía, decidieron entregarlo "a la ciencia". Entonces Rembrandt terminó en una escuela de latín, donde estudió escritura, lectura y la Biblia. A la edad de 14 años, se graduó con éxito de la escuela secundaria y se convirtió en estudiante en la Universidad de Leiden, que en ese momento era famosa en toda Europa. Lo mejor de todo es que al joven se le dio pintura, y nuevamente los padres mostraron sabiduría y previsión. Sacaron a su hijo de la universidad y lo enviaron a estudiar con el artista Jacob Isaac Svanenbürh. Tres años más tarde, Rembrandt van Rijn tuvo tanto éxito en el dibujo y la pintura que el propio Peter Lastman, que dirigía la escuela de pintura de Ámsterdam, se dedicó a desarrollar su talento.
La obra temprana de Rembrandt van Rijn se formó bajo la influencia de autoridades como el maestro de pintura holandés Peter Lastman, el artista alemán Adam Elsheimer, el artista holandés Jan Lievens.
La diversidad, el color y la atención al detalle inherentes a Lastman son claramente visibles en obras de Rembrandt como La lapidación de San Esteban, El bautismo del eunuco, Escena de la historia antigua, David antes de Saúl, Alegoría de la música.
Jan Lievens, un amigo de Rembrandt, trabajó junto a él en un estudio común desde 1626 hasta 1631. Sus obras se superponen de muchas maneras y los estilos son tan similares que incluso los críticos de arte experimentados a menudo confunden las manos de los maestros.
El héroe de nuestro artículo fue guiado por Adam Elsheimer, comprendiendo el significado del claroscuro para transmitir estados de ánimo y emociones en el lienzo. La influencia del pintor alemán se puede ver claramente en las obras "La parábola del rico irracional", "Cristo en Emaús", "Simeón y Ana en el templo".
En 1630, Harmen van Rijn murió, su propiedad fue dividida entre ellos por los hermanos mayores de Rembrandt. El joven artista trabajó durante algún tiempo en un taller de la casa de su padre, pero en 1631 se marchó para buscar fortuna en Ámsterdam.
En la capital del reino, organizó un taller y comenzó a especializarse en el arte del retrato. El hábil uso de la luz y la sombra, las expresiones faciales características, la originalidad de cada modelo, todo esto caracterizó la formación de un estilo especial del artista. Rembrandt van Rijn comenzó a recibir pedidos masivos, logró el éxito comercial.
En 1632 recibió un pedido de un retrato de grupo. Como resultado, se lanzó la creación de "Lección de anatomía del Dr. Tulpa". La brillante obra, por la que Rembrandt recibió un gran pago, no solo lo glorificó, sino que finalmente confirmó la madurez creativa del artista.
La hija del alcalde de la ciudad Saskia es presentada al joven artista de moda durante una visita social. No tanto los datos externos de la niña (no tenía fama de ser una belleza, aunque era bonita y alegre), ya que su sólida dote atrajo a Rembrandt, y seis meses después de conocerse, los jóvenes se comprometieron, y un año más. más tarde se casaron legalmente. El matrimonio permitió al héroe de nuestro artículo ingresar a los círculos superiores de la sociedad.
Los recién casados vivieron bien. Rembrandt van Rijn pintó muchos retratos de su esposa, incluida la que posó para él al crear la obra maestra "Danae". Sus ingresos en ese momento eran colosales. Compró una mansión en la zona más prestigiosa de Ámsterdam, la amuebló con muebles de lujo y creó una impresionante colección de obras de arte.
En el matrimonio nacieron cuatro hijos, pero solo sobrevivió el hijo menor, Titus, nacido en 1641. En 1642, Saskia murió de una enfermedad. Parece que se llevó la suerte del maestro.
Desde 1642, el artista ha sido perseguido por un destino maligno. Rembrandt van Rijn alcanza la cima de su talento. Sin embargo, sus lienzos son cada vez menos populares, poco a poco va perdiendo clientes y estudiantes. En parte, los biógrafos explican esto por la obstinación del maestro: se niega categóricamente a seguir el ejemplo de los clientes y crea como le dice su corazón. La segunda razón del desvanecimiento de la fama del gran pintor es, curiosamente, su habilidad y virtuosismo, que la gente común no podía comprender ni apreciar.
La vida de Rembrandt está cambiando: poco a poco se empobrece, pasando de una lujosa mansión a una modesta casa en las afueras de la ciudad. Pero continúa gastando enormes sumas de dinero en obras de arte, lo que lo lleva a su completa bancarrota. El hijo adulto Titus y Hendrickje, el amante de Rembrandt, de cuya conexión tuvo una hija, Cornelia, se hizo cargo de los asuntos financieros.
"La compañía del capitán Frans Baning Kok" - un lienzo de 4 metros, la pintura más grande del maestro, "Mujer bañista", "Flora", "Tito con boina roja", "Adoración de los pastores" - estos son los obras del maestro, escritas por él durante un período difícil de su vida ...
En los últimos años de su vida, Rembrandt van Rijn, cuya biografía se expone en el artículo, alcanzó la cúspide de su obra. Se adelantó dos siglos a sus contemporáneos y predijo las líneas de desarrollo del arte del siglo XIX en la era del realismo y el impresionismo. Un rasgo distintivo de sus obras posteriores es el monumentalismo, las composiciones de gran tamaño y la claridad de las imágenes. Los cuadros "Aristóteles con el busto de Homero" y "La conspiración de Julius Civilis" son especialmente característicos a este respecto. Los lienzos "El regreso del hijo pródigo", "Artaxserx, Amán y Ester" y "La novia judía" están impregnados de un profundo drama. Muchos autorretratos fueron pintados por el maestro en los últimos años de su vida.
Rembrandt van Rijn, cuyas pinturas son verdaderas obras maestras del arte, murió en la pobreza en 1969. Fue enterrado silenciosamente en la iglesia Westerkerk en Amsterdam. Fue apreciado en su verdadero valor solo varios siglos después.
Durante su breve viaje a la Tierra, Rembrandt pintó alrededor de 600 pinturas, creó alrededor de 300 aguafuertes (grabados en metal) y casi 1.500 dibujos. La mayoría de sus obras se conservan en el Rijksmuseum - Museo de Arte de Ámsterdam. Sus lienzos más famosos:
Rembrandt es uno de los más grandes artistas de la historia. Hasta ahora, nadie ha logrado repetir su estilo característico. El talentoso y talentoso hijo de un molinero dejó un legado invaluable: obras maestras del arte mundial.
Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) es el mayor pintor, grabador y dibujante holandés. Nació en la familia de un molinero en Leiden, donde trabajó hasta aproximadamente 1632, después de lo cual se mudó a Amsterdam. En 1634, Rembrandt se casó con una niña de una familia adinerada, Saskia van Eilenbürch, cuya imagen inmortalizó en muchos retratos con extraordinaria ternura y amor.
Desde la década de 1640, en la obra de Rembrandt, especialmente en pinturas sobre temas religiosos, el claroscuro gana importancia, creando una atmósfera tensa emocional. El artista está interesado en la esencia oculta de los fenómenos, el complejo mundo interior de las personas representadas.
En 1642, el destino asesta un duro golpe a Rembrandt: Saskia muere. Ese mismo año pintó su cuadro más destacado y famoso La ronda de noche, cuya solución compositiva nada tiene que ver con el tradicional retrato de grupo.
Sus últimos trabajos son sorprendentes en el refinamiento de la habilidad. En los últimos autorretratos de Rembrandt, que se convirtió en el pináculo de su incomparable galería de retratos, aparece ante el espectador una persona que soporta estoicamente las pruebas difíciles y la amargura de la pérdida (en 1668 perdió a su amada Hendrickje Stoffels, y en 1668 - a su hijo Titus).
Rembrandt creó obras maravillosas en casi todos los géneros, utilizó una variedad de técnicas de escritura (pintura, dibujo, grabado). El más grande maestro, influyó en muchos artistas famosos. El halo de fama en torno al nombre de Rembrandt no se desvaneció incluso después de su muerte, recibió un verdadero reconocimiento como uno de los pintores destacados de todos los tiempos.
| Dánae 1636-1647 |
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