El arte es casi tan antiguo como los humanos mismos, y tratamos de preservar y proteger el arte que encontramos. Cuanto más antigua es la obra de arte que hemos encontrado, más valiosa es porque puede informarnos sobre personas que vivieron mucho antes que nosotros.
10. Obras de arte rupestres prehistóricas más antiguas
290.000 - 700.000 AC
Los primeros ejemplos de arte rupestre prehistórico encontrados hasta la fecha son una especie de pictografía que los científicos llaman "cúpulas", que a veces incluyen surcos lineales tallados. Estos pictogramas son hendiduras talladas en rocas verticales y horizontales. A menudo se organizan sistemáticamente en filas o columnas. Se pueden encontrar en todos los continentes y los pueblos antiguos los hicieron durante varios períodos de tiempo. Por ejemplo, algunos aborígenes de Australia Central todavía los usan.
El ejemplo más antiguo de tal pictograma se encontró en las cuevas de Bhimbetka en el centro de la India. Gracias a las excelentes condiciones de las cuevas, los ejemplares se han conservado notablemente bien. Esto permitió a los científicos concluir con casi un 100 por ciento de certeza que estos íconos pertenecen al período Paleolítico Temprano. Además, se ha encontrado evidencia en las cuevas de que los otros nueve ejemplos de estos pictogramas datan del mismo período de tiempo. Aunque las cuevas aún no han sido fechadas por radiocarbono, se cree que los artefactos indios de la era achelense son tan antiguos como los artefactos encontrados en África y Europa. Su edad es asombrosa de 290.000 años.
En la cueva de Daraki-Chattan se encontró una segunda colección de aproximadamente 500 pictogramas que datan aproximadamente del mismo período, junto con un montón de herramientas de piedra antiguas. Daraki Chattan es uno de los lugares más ricos del mundo con pictogramas.
Algunos arqueólogos creen que los pictogramas no deben considerarse obras de arte porque podrían tener un propósito de consumo. Es posible que se utilizaran como morteros para moler o con fines ceremoniales, como lo utilizan actualmente algunos pueblos. Sin embargo, son una de las formas más comunes de talla rupestre prehistórica y han tenido una variedad de usos. Por tanto, es lógico suponer que al menos algunos de ellos fueron creados con fines artísticos o estéticos. Además, muchos pictogramas tallados en rocas verticales simplemente no podrían tener un propósito de consumo.
9. La escultura más antigua
230.000 - 800.000 a. C.
Foto: Jose-Manuel Benito
La representación innegable más antigua del cuerpo humano es Venus de Hohle Fels. Esta estatuilla tiene 40.000 años.
Sin embargo, recientemente se descubrió una estatuilla mucho más antigua que, aunque es objeto de una acalorada controversia, tiene todas las posibilidades de llevarse el título de la estatuilla más antigua de "Venus de Hole Fels". Esta estatuilla, descubierta en los Altos del Golán en Israel, se llama Venus de Berekhat Ram. Si esta estatuilla es realmente una obra de arte humano, entonces es más antigua que los neandertales y muy probablemente fue hecha por un Homo erectus (Home erectus).
La figurilla fue descubierta entre dos capas de roca volcánica y suelo. Su edad puede oscilar entre 233.000 y la asombrosa cifra de 800.000 años. Originalmente se pensó que la estatuilla era una piedra que se parecía a un humano. Sin embargo, el análisis microscópico realizado por Alexander Marshak mostró claramente que en la piedra son visibles rastros de actividad humana. Se cree que "Venus de Berehat Rama" originalmente tenía una forma ligeramente antropomórfica, que se acentuó aún más con la ayuda de herramientas humanas. Si miras la base de la estatuilla, puedes ver claramente que fue tallada para que fuera plana, es decir, para que la estatuilla se mantuviera erguida.
La especulación sobre la participación humana en la creación de la figura ganó terreno cuando se hicieron hallazgos similares en otras partes de la región. Uno de estos hallazgos fue el "Tan Tan" descubierto en Marruecos. Su edad oscila entre los 300.000 y los 500.000 años. Al parecer, ambas figurillas se utilizaron con fines ceremoniales o religiosos. La "Venus de Tan-Tang" estaba pintada de un color amarillo pardusco, que se usaba a menudo para ceremonias.
8. El grabado más antiguo sobre cáscaras de huevo.
60.000 a. C.
Foto: Vincent Mourre
Las cáscaras de huevo de avestruz fueron una herramienta importante para muchas culturas tempranas, y decorarlas se convirtió en una forma importante de expresión para los humanos.
En 2010, los científicos que excavaban el refugio Diepkloof Rock en Sudáfrica descubrieron un enorme tesoro de 270 fragmentos de huevos de avestruz, que estaban decorados con dibujos decorativos y simbólicos creados por representantes de cazadores-recolectores de la industria portuaria de Howiesons. Poort). Los fragmentos han sido procesados con numerosos pigmentos y grabados con patrones de rayado. Se han registrado dos tipos principales de patrones: patrones asociados con el rayado y otro tipo de patrones que usaban líneas sub-paralelas o convergentes. Debido al hecho de que los patrones han cambiado con el tiempo, y también debido al hecho de que los científicos finalmente encontraron una muestra suficientemente grande, pudieron establecer la existencia de tradiciones de patrones en culturas que se remontan a la Edad de Piedra, al menos como saludos grabado.
Los grandes agujeros hechos en las cáscaras de huevo sugirieron que las cáscaras de huevo de avestruz se usaban como una versión prehistórica de recipientes para almacenar líquidos.
7. Las pinturas rupestres más antiguas de Europa
42,300 - 43,500 AC
Hasta hace poco, los neandertales eran considerados incapaces de crear ninguna obra de arte (el reciente descubrimiento de piedras decoradas y fragmentos de cáscaras de huevo puso fin a esta opinión). Los científicos también estaban convencidos de que los neandertales no crearon ningún ejemplo de arte rupestre. Esto cambió en 2012 cuando científicos que trabajaban en las cuevas de Nerja, provincia española de Málaga, descubrieron dibujos que se hicieron más de 10.000 años antes que los famosos grabados rupestres prehistóricos en la cueva Chauvet, ubicada en el sureste de Francia. Los restos de carbón hallados junto a los seis dibujos estaban fechados por radiocarbono, lo que mostraba que los dibujos tenían entre 42.300 y 43.500 años.
Las imágenes muestran las focas que vivían en esta región en ese momento, que eran el alimento básico de los neandertales. El líder del proyecto, José Luis Sanchidrian, de la Universidad de Córdoba, también señaló que los dibujos no tienen nada que ver con otro arte humano del Paleolítico. Además, dijo que no se han encontrado restos en la parte de la península donde se ubican las cuevas de Nerja. Gente moderna.
6. Dibujos de huellas de manos más tempranos
37.900 a. C.
Los grabados rupestres de las cuevas de Sulawesi en Indonesia son algunos de los ejemplos más antiguos de arte representativo de la historia. Dado que tienen 35.400 años, se puede decir que son casi tan antiguos como algunos ejemplos de arte antiguo no representacional, incluidos ejemplos. pintura rupestre las Pinturas Rupestres de El Castillo (40.800 años) y las Esculturas rupestres prehistóricas de la Cueva Chauvet (37.000 años).
Sin embargo, el ejemplo más impresionante de arte rupestre prehistórico en las cuevas de Sulawesi es el dibujo de la huella de la mano. Actualmente, se considera el más antiguo de todos los dibujos de un plano similar encontrados hasta la fecha. Este dibujo tiene 39.900 años. Este patrón es parte de una colección de 12 grabados rupestres. La edad se determinó mediante el método de datación con uranio radioisotópico del revestimiento mineral de la capa sedimentaria sobre la que se aplicaron los dibujos (los dibujos en sí pueden ser incluso más antiguos). Si la datación por radioisótopos muestra que los dibujos son más antiguos que la capa sedimentaria, podrían convertirse en las imágenes más antiguas de cualquier tipo jamás descubiertas.
La gente prehistórica sopló pintura ocre a través de pajitas en sus manos para crear impresiones. Este truco todavía lo utilizan los niños de hoy. Todo el arte prehistórico es memorable, y hay algo particularmente memorable en los dibujos hechos a mano. Quizás esta sea la comprensión del hecho de que cada uno de ellos es una persona real que se ha perdido durante mucho tiempo en las arenas del tiempo.
5. Las figurillas más antiguas talladas en marfil
30.000 a. C.
Foto: Universitat Tubingen
En 2007, arqueólogos de la Universidad de Tübingen trabajaron en el Jura de Suabia, una meseta ubicada en el estado federal de Baden-Wurttemberg en Alemania. Encontraron un escondite lleno de pequeñas tallas de marfil. Estas figurillas tienen aproximadamente 35.000 años. Se consideran las primeras figuras talladas en marfil que conocemos en la actualidad.
Solo se han encontrado cinco estatuillas talladas en hueso de mamut en las cuevas Vogelherd en el suroeste de Alemania. Las numerosas cuevas de esta región son ricas en hallazgos arqueológicos. Fue aquí donde los arqueólogos descubrieron el famoso Hombre León de Hohlenstein Stadel y la estatuilla "Venus de Hohle Fels". Los hallazgos incluyeron los restos de una figura de león, dos fragmentos de mamut y dos figuras indeterminadas.
La datación por carbono y el contexto geológico de los hallazgos sugirieron que las figurillas fueron hechas por un miembro de la cultura auriñaciense, un grupo de personas asociadas con la primera llegada. hombre moderno a Europa. El análisis mostró que la edad de las figurillas es de 30.000 a 36.000 años, y algunas pruebas indican una edad aún más antigua.
Cuatro años antes, el investigador Nicholas J Conard informó del descubrimiento de otras tres figurillas en la misma región que datan del mismo período de tiempo. Entre ellas se encontraban las representaciones más antiguas conocidas de un pájaro, así como una figurilla que tenía la imagen de un medio hombre, medio bestia y una figurilla que parecía un caballo. Todas las figurillas encontradas tienen al menos 30.000 años.
4. El ejemplo más antiguo de arte cerámico
24.000 - 27.000 a. C.
Foto: Petr Novak
La Venus de Dolni Vestonice es similar a otras figuras de Venus que se han descubierto en todo el mundo. La longitud de la estatuilla es de 11,3 centímetros. Ella es una mujer regordeta con grandes pechos y un trasero prominente. En la cabeza de la figurilla, se hicieron dos hendiduras en lugar de ojos. Esta es la primera figura de cerámica conocida hecha de arcilla cocida a baja temperatura. Se fabricó 14.000 años antes de que los humanos comenzaran a utilizar el método de cocción de arcilla en la alfarería. La estatuilla fue excavada el 13 de julio de 1925 en Dolni Vestonice, Región de Moravia del Sur, Checoslovaquia.
Esta figura, así como varias otras y miles de pequeños fragmentos, indican que esta tecnología era nueva para la época. Según los resultados de la prueba, los objetos fueron disparados a una temperatura baja de 700 grados centígrados, por lo que la mayoría de las piezas muestran claramente las grietas formadas por el calentamiento, incluida la propia Venus, que se partió por la mitad cuando fue encontrada.
Venus fue creado por el gravetiano hace aproximadamente 22.000 a 28.000 años. La cerámica no echó raíces en esta cultura, y después de esta cultura, la cerámica no se creó durante mucho tiempo. Estas obras de arte con toda probabilidad proceden del período de experimentación artística de esta cultura. Hay cuatro agujeros en la cabeza de la figurilla, posiblemente para contener flores o con fines ceremoniales.
En 2002, se encontró una huella dactilar en el lado izquierdo de la estatuilla que pertenecía a un niño de entre 7 y 15 años. Si bien los investigadores no creen que la figurilla haya sido hecha realmente por un niño, sí toman la impresión como evidencia del aspecto social de la industria de la cerámica de la cultura Gravette.
3. Primer dibujo de paisaje conocido
6000 - 8000 aC
Foto: Sociedad Arqueológica Bíblica
Si se determina que el controvertido mural que se encuentra en el mural de Catalhoyuk es genuino, se reconocerá oficialmente como la representación de paisajes más antigua conocida. Aunque, más bien se puede llamar una serie de formas abstractas, junto con la imagen de una piel de leopardo. Pueden ser ambos.
En 1963, el arqueólogo James Mellaart trabajó en Chatal Huyuk en lo que hoy es Turquía, una de las ciudades de la Edad de Piedra más grandes jamás descubiertas. Descubrió uno de los muchos frescos que se usaban para decorar viviendas en forma de caja. Mellaart cree que este mural representa una vista de la ciudad, y lo que muchos parecen ser la piel de un leopardo es, de hecho, el cercano volcán Hasan Dag, que estaba en erupción en el momento de la pintura al fresco. Otros arqueólogos creen que los objetos en forma de caja son formas abstractas, y la supuesta erupción volcánica es la piel de un leopardo, ya que los habitantes de la ciudad también representaban animales salvajes. diferentes caminos... Un estudio de 2013 encontró resultados que respaldan la hipótesis del terreno, cuando se descubrió que un volcán cercano hizo erupción en un período de tiempo correspondiente a la pintura del fresco.
Hay otros dos aspirantes al título de la representación en relieve más antigua. Ambos son cartas. Uno de ellos, como mencionamos anteriormente, fue descubierto en Europa Occidental, y el otro se conoce como el mapa de Pavlov (fue creado entre el 24.000 y el 25.000 a.C.). Sin embargo, el fresco de Catal Huyuk probablemente no tuvo uso por parte del consumidor, lo que lo convirtió en la primera representación de un paisaje creada puramente con fines estéticos.
2. Primer manuscrito cristiano iluminado
330-650 d.C.
Foto: Fondo de la Herencia Etíope
Durante la Edad Media y mucho antes de eso, los libros eran una comodidad inusualmente rara y eran considerados tesoros preciosos por aquellos pocos que podían adquirirlos. Quizás dándose cuenta de esto, los escribas cristianos adornaron cubiertas de libros con piedras preciosas y páginas pintadas con colores asombrosos y caligrafía intrincada, creando exquisitos manuscritos iluminados.
En 2010, los investigadores descubrieron los Evangelios Garima en un monasterio aislado en la región etíope de Tigray. Se pensó originalmente que el manuscrito iluminado cristiano primitivo fue escrito en 1100. Sin embargo, la datación por radiocarbono mostró que el manuscrito es mucho más antiguo y fue creado entre el 330 y el 650 d.C. Esto lo convierte en el manuscrito cristiano iluminado más antiguo jamás encontrado. Es 500 años más antiguo que otros manuscritos similares encontrados en la región.
Este sorprendente libro puede estar relacionado con la vida de Abba Garima, el fundador del monasterio en el que se descubrió este libro. Según la leyenda, escribió todos los evangelios en un día. Para ayudarlo en esto, Dios detuvo el movimiento del sol hasta que el abba terminó su trabajo.
Otro aspirante a este título son los Evangelios Rossano de la Catedral de Rossano en el sur de Italia. Este manuscrito fue creado en el siglo VI y puede verse en línea.
1. Las pinturas al óleo más antiguas
Siglo séptimo
Foto: Instituto Nacional de Investigaciones sobre Bienes Culturales, Tokio
En 2008, se descubrieron un nuevo mural budista y varias otras obras en las cuevas de Bamiyán en Afganistán. Se han encontrado rastros de un aglutinante a base de aceite en estas obras de arte, lo que las convierte en las primeras pinturas al óleo. Estas pinturas fueron creadas al menos 100 años antes de que la técnica de pintura al óleo se usara en la región mediterránea o en Europa. El aglutinante parece haber sido utilizado para permitir que la pintura se seque más rápido en las superficies de piedra de las cuevas.
Desde 2003, académicos de Japón, Europa y Estados Unidos han estado trabajando para preservar la mayor cantidad posible de obras de arte del Valle de Bamuian a través de un proyecto patrocinado en parte por la UNESCO. Descubrieron esta sustancia realizando pruebas químicas en algunas de las pinturas. Utilizando cromatografía de gases y espectrometría de masas, los científicos descubrieron que las muestras de 12 cuevas, así como las de dos estatuas de Buda destruidas, contenían pinturas de aceite y resina.
Estos murales, que datan alrededor del siglo VII d.C., forman parte de una red de cuevas decoradas con pinturas de Buda y figuras mitológicas. La red de cuevas también está decorada con patrones decorativos e intrincados diseños en espiral. Los investigadores creen que el estudio de estas imágenes puede proporcionar información valiosa sobre el intercambio cultural entre los pueblos del este y oeste de Asia, así como sobre la famosa Ruta de la Seda (Ruta de la Seda).
+ La estatua de madera más antigua
Aproximadamente 7500 a. C.
Los ídolos eslavos de la antigua Rusia, artefactos arqueológicos raros e invaluables hechos de madera y piedra, representaban a los dioses eslavos. La rareza de los artefactos de madera se debe a la fragilidad de este material, así como a la persecución cristiana primitiva de los paganos y sus obras. Muchos de estos ídolos estaban hechos de madera perecedera, ya que se creía que los árboles eran mágicos. Los ídolos combinaron el poder de los dioses con la magia de los árboles. Los paganos eslavos generalmente instalan sus ídolos en montañas con picos sin árboles. En el momento en que se estaban construyendo Stonehenge y las pirámides egipcias, al menos un ídolo que representaba a un dios ya era antiguo.
Si se confirman las declaraciones de los investigadores, entonces la escultura de madera más antigua que conocemos será el ídolo de Shigir hecho de alerce. Fue creado durante el Mesolítico (mediados de la Edad de Piedra), hace unos 9.500 años. El ídolo de Shigir ha sobrevivido a lo largo de todos estos siglos solo porque estaba ubicado a una profundidad de 4 metros en una turbera, por lo que las bacterias no pudieron llegar a la madera.
El ídolo fue descubierto originalmente en enero de 1890 en los Urales medios, al noroeste de Ekaterimburgo. Se guardaba en un escondite, junto con otros artefactos de cuernos de animales, huesos, madera y arcilla, como dagas, arpones y remos. La altura del ídolo es de 280 centímetros. A lo largo de toda la figura monumental hay siete rostros, diversas tallas y motivos religiosos. El ídolo está coronado con una cabeza. Sin embargo, aproximadamente 2 metros del ídolo se perdieron durante los disturbios políticos rusos, y si la interpretación de la estructura del ídolo realizada en 1914 por el arqueólogo Tolmachev es correcta, es posible que la altura original del ídolo fuera de 5,3 metros.
El ídolo fue sometido a datación por radiocarbono en el Instituto de Historia de la Cultura Material en San Petersburgo por un equipo de científicos dirigido por Galina Zaitseva. Los resultados de los análisis han sido confirmados por el Instituto Geológico. Academia rusa Ciencias en Moscú y personalmente por Leopold Dmitrievich Sulerzhitsky. Las pruebas han mostrado edades que varían solo unos pocos cientos de años. Si los resultados de la prueba son ciertos, el Shigir Idol será reconocido oficialmente como la estatua de madera más antigua del mundo y la escultura más antigua de cualquier tipo en toda Europa.
Debido al golpe de Estado, este artefacto se olvidó por un tiempo, pero desde 2014 investigadores alemanes de la Oficina del Patrimonio Cultural del Estado de Baja Sajonia intentan descifrar el significado. patrones tallados y grabados. Realizarán otra serie de pruebas utilizando el método de espectrometría de masas para obtener datos más precisos. Los resultados de estos estudios se publicarán a principios de 2015.
Los artistas más innovadores de hoy no toman el pincel, sino que apelan a la ciencia para mostrar la naturaleza como síntesis de lo visible y lo invisible. Crean obras que son radicalmente diferentes de todo lo visto antes y que, tal vez, cambiarán nuestra percepción del mundo, una vanguardia verdaderamente nueva.
Como dice el famoso videoartista Peter Weibel: “Hoy en día, el arte es descendiente de la ciencia y la tecnología”. Es una idea inusual, pero tiene razón.
Una de las primeras piezas innovadoras que se le mostró a la humanidad fue la "tercera oreja" del artista Stelark, cultivada quirúrgicamente, el 13 de abril de 2009, en exhibición en el Festival Internacional de Ciencias de Edimburgo. El plan es colocar el micrófono en su mano, permitiendo que los usuarios de la web "escuchen" a través de sus manos.
El artista Stelarc, un conocido defensor de la "mejora corporal modificada", de hecho creció su oreja izquierda en su mano izquierda. La oreja estaba compuesta de las propias células madre de Stelark y tejida en un polímero biodegradable.
Alba Eduardo Katza es un conejo blanco genéticamente modificado que se vuelve verde brillante utilizando el gen de la proteína verde medusa. Así, Alba se convirtió en una criatura que no existe en la naturaleza, lo que provocó un animado debate sobre la ética de la modificación genética.
La escultura de vidrio soplado de Josiah McElheny, Islands of Universes, es un poema sobre la creación de un espacio increíble llamado universo. Cada universo es una formación de estrellas gigantes y tiene alrededor de 1,000 bolas de vidrio y 5,000 barras; aproximadamente 14 pies de ancho y 12 pies de largo.
La longitud de las varillas es proporcional al tiempo y simboliza el Big Bang.
Las esferas de vidrio representan galaxias en el momento apropiado y las bombillas representan quásares. McElheny se ha asociado con un cosmólogo para asegurarse de que estos modelos sean científicamente sólidos. Completado en 2006, este artículo es especialmente relevante hoy debido a los últimos datos que parecen respaldar la hipótesis del multiverso: la asombrosa suposición de que los universos se crean constantemente.
El físico y artista Julian Voss-Andrea creó la escultura "Quantum Man", que mide más de dos metros y medio de altura y consta de más de cien láminas de acero paralelas.
De frente es una persona, pero cuando caminas hacia ella, la persona se vuelve invisible. Representa la dualidad ambigua de ondas: partículas de la física cuántica que, de manera inimaginable, son como ondas y partículas al mismo tiempo. Un electrón puede manifestarse en experimentos como onda o como partícula.
Flight Templates de Aaron Koblin es otra obra de arte que consta de datos concretos. Coblin recopiló datos sobre 250.000 vuelos que cruzaron los Estados Unidos el 12 de agosto de 2008.
Otra de las creaciones de Koblin, "This Exquisite Forest", se creó con la ayuda del crowdsourcing. Este es un juego surrealista paralelo, Exquisite Corpse, en el que los jugadores agregan un plano o sugerencias sin saber lo que está sucediendo frente a él. Para este bosque exquisito, los espectadores han agregado animaciones utilizando el software proporcionado por Google.
Pero no todas las teorías sobre el significado de las obras son claramente tan delirantes. Algunos logran ser muy convincentes y francamente alucinantes.
La pintura fue pintada por Piero di Cosimo en 1495 y supuestamente representa una escena de las Metamorfosis de Ovidio. En esta historia, Procrida fue asesinada accidentalmente en el bosque por su esposo, el cazador Céfalo, quien confundió por error a su esposa con una bestia salvaje y la empaló con una lanza.
Esta elección típica escenas para un artista del Renacimiento, Pero hay un problema. Un examen minucioso muestra que el Cosimo Procrida representado en la pintura no pudo haber muerto por accidente.
Según el profesor británico Michael Baum, todas las señales apuntan a que la pintura representa un brutal asesinato. Prokrida tiene profundas laceraciones en su brazo, como si tratara de protegerse de los ataques con cuchillo. Finalmente, también hay una herida en el cuello.
En lugar de representar una escena de la novela, la pintura de Cosimo nos muestra las secuelas de un violento ataque con cuchillo. Probablemente esto no se hizo a propósito. El profesor Baum sospecha que Cosimo le pidió a la morgue local que le prestara un cadáver para dibujar a una víctima de asesinato.
La obra de Diego Rivera "El hombre que gobierna el universo" es una de las creaciones notables del arte mexicano de la pintura. El mural se encargó originalmente para el Rockefeller Center, pero luego fue remodelado en la Ciudad de México después de que Nelson Rockefeller destruyera el mural.
No le gustó que Lenin estuviera representado en él. La restauración de la imagen fue también un monumental acto de venganza. El mural afirma que el padre de Nelson Rockefeller tenía sífilis.
Los episodios de los últimos descubrimientos científicos se han convertido en uno de los elementos clave de la pintura. Galaxias, estrellas en explosión, muchas bacterias flotando sobre las cabezas de hombres y mujeres ...
Después de que Nelson Rockefeller destruyera el original, Rivera pintó a su padre, J.D. Rockefeller Jr., rodeado de las bacterias que causan la sífilis.
Eso no es todo. A pesar de que J.D. Rockefeller Jr. fue abstemio durante toda su vida, Rivera lo pintó con un martini en la mano y mujeres que parecían prostitutas. Para realzar el efecto, colocó a Lenin en primer plano.
Una de las figuras principales del movimiento prerrafaelita, John Everett Millais, es probablemente más conocido hoy en día por su pintura Ofelia. Al menos eso fue hasta 2012, cuando los investigadores descubrieron algo inesperado en su pintura "Isabella". Representa una escena del Decamerón de Boccaccio, y la sombra de un pene erecto es claramente visible en la mesa del banquete.
"El Decamerón" es uno de los libros más eróticos, jamás escrito y la imagen está llena de referencias a la sexualidad. La pierna extendida del personaje representa un símbolo fálico, y la pila de sal derramada cerca de la sombra del pene probablemente simboliza una semilla. Parece obsceno, pero al mismo tiempo no se parece en nada a la pornografía ordinaria.
Esta es una de las obras más famosas de Botticelli en la Galería Uffizi de Florencia. La Primavera es también una de las pinturas más enigmáticas de Botticelli. Debido al hecho de que representa a un grupo de mujeres caminando por el cielo como un prado, los expertos aún sostienen que la pintura tiene un significado alegórico.
Pero hay una teoría que se destaca de todas las demás por su evidencia y extrañeza, que afirma que la imagen es sobre jardinería.
Esta versión parece plausible debido a la asombrosa escrupulosidad con la que el autor escribe cada planta. Según estimaciones oficiales, la pintura representa al menos 500 plantas diferentes cuidadosamente representadas de casi 200 especies diferentes.
Algunos creen que todas estas eran plantas que crecieron en el siglo XV en Florencia y florecieron de marzo a mayo. Otros argumentan que Botticelli inventó estas plantas él mismo, especialmente para esta imagen.
Creada por Johannes Vermeer en la década de 1660, La lección de música se considera una de las mejores pinturas que representan la vida holandesa del siglo XVII. Una hermosa tutora le enseña a una joven a tocar el clavecín.
Esta es una representación fotorrealista de un día típico de la alta sociedad durante la época de Vermeer. Al menos esa es la explicación estándar. Algunos creen que la imagen está impregnada de sexo y pasión oculta.
Según esta teoría, la imagen está llena de pequeñas claves para comprender la tensión sexual entre una niña y su mentor. No es sorprendente que la imagen de la niña esté asociada con la virginidad, pero el espejo sobre el clavecín muestra que la niña en realidad está mirando a la maestra durante el juego.
La jarra de vino es afrodisíaca, mientras que el instrumento del suelo se interpreta como un enorme símbolo fálico. Si miramos la imagen desde este punto de vista, incluso es posible suponer que el espectador es un mirón.
Y este no es solo el caso de esta imagen. Algunos historiadores del arte sostienen que la presencia de música en las pinturas de Vermeer siempre simboliza la sexualidad, lo que hace que su trabajo sea muy extraño.
Dibujado en 1888, el "Night Cafe Terrace" es uno de los más trabajo importante Van Gogh, revelando completamente el estilo especial del artista. Ella también es una de sus favoritas. Pero algunos argumentan que tiene una connotación mucho más profunda. Según la teoría reciente, Cafe Terrace at Night se refiere a La Última Cena.
Desde temprana edad, Van Gogh fue extremadamente religioso. Su padre era un sacerdote protestante y críticos de arte influyentes sostienen que las pinturas del artista están llenas de imágenes cristianas.
En el caso de Cafe Terrace at Night, esta imagen se manifiesta en la forma de Jesús viniendo a comer con sus discípulos. Si miras de cerca a los comensales, puedes ver que son doce y están sentados alrededor de una figura central con el pelo largo.
De manera reveladora, incluso hay una fila de cruces escondidas en la imagen, incluida una directamente encima de la figura de Cristo. Hay otra evidencia para apoyar esta teoría.
Cuando Van Gogh le escribió a su hermano sobre la pintura, argumentó que el mundo tiene una "gran necesidad" de religión. También estaba profundamente enamorado de Rembrandt y expresó su deseo de revitalizar su estilo con un sutil simbolismo cristiano. El "Café Terrace at Night" bien puede servir como prueba de que, al final, lo logró.
La imagen, que muestra a Venus y Cupido a punto de tener sexo frente a un hombre calvo, siempre perturba la imaginación. Incluso para los estándares de su época, la pintura de Agnolo Bronzino "Alegoría con Venus y Cupido" es un poco oscura.
A pesar de las críticas favorables Sobre la obra como pintura erótica de "especial belleza", hay muchas pruebas de que se trata de una advertencia sobre la sífilis. Esto se evidencia en la figura que grita en el lado izquierdo de la imagen.
Aunque la descripción clásica de la pintura dice que se trata de una metáfora de los celos o la desesperación, un examen detenido muestra que, de hecho, ella es muy mala. Los dedos de la figura están hinchados, como los de los pacientes con sífilis, carecen de uñas y el cabello tiene signos de alopecia sifilítica. Las encías desdentadas sugieren envenenamiento por mercurio, que se utilizó para tratar la sífilis en la Italia del Renacimiento.
Uno de los personajes tiene una espina de rosa en la pierna, pero no se da cuenta. Esta falta de sensación será un resultado directo de la mielopatía sifilítica. En otras palabras, la imagen representa el sufrimiento que espera en el futuro a quienes siguen el ejemplo de las pasiones.
Una pintura de 1929 de la artista mexicana Frida Kahlo, El Autobus, muestra la vida de la comunidad mexicana. Una ama de casa, una trabajadora, una madre india y un acaudalado empresario gringo, a pesar de sus diferencias sociales, esperan el autobús junto a una chica que probablemente se refiera a la propia Frida. Todos los personajes de esta imagen no saben que les espera un terrible accidente.
En 1925, Kalo viajaba en un autobús que chocó contra un tranvía. El impacto fue tan fuerte que el cuerpo de Kahlo fue atravesado por una barandilla de metal.
Su trabajo posterior a menudo se refiere a este accidente, lo que implica que es un milagro que haya sobrevivido al accidente. El Autobus tampoco es una excepción. Se supone que el trabajador de la imagen es exactamente la persona que salvó la vida de Kahlo al sacar la barandilla rota de su cuerpo.
La edad de oro holandesa de la pintura es, quizás, sólo superada por el Renacimiento italiano. Como en otras épocas, esta vez también tuvo sus propias peculiaridades en la moda y en la pintura, una de las cuales fue que los artistas pintaban "cuadros en cuadros".
Estos "cuadros en cuadros" fueron pintados no solo por Vermeer y sus compañeros artistas. Algunas personas piensan que estas imágenes contienen un código simbólico especial. Un ejemplo de este estilo es el cuadro "Zapatillas" de Samuel van Hoogstraten.
A primera vista, el cuadro muestra un pasillo vacío con dos pares de zapatillas en medio. En la pared de la sala hay un cuadro de Kaspar Netscher "Un padre regaña a su hija".
A primera vista, nada fuera de lo común. Pero los conocedores del arte holandés contemporáneo saben que el cuadro de Netscher fue pintado en un burdel. Al parecer, estas zapatillas pertenecen a un hombre y una mujer, pero como el pasillo está vacío, es posible que hayan ido a tener sexo.
En otros casos, el código era más delgado. En las pinturas "Hombre escribiendo una carta" y "Mujer leyendo una carta" (en la foto), Gabriel Metsu representó a un joven escribiendo una carta a su amada y leyéndola.
En la segunda imagen, la imagen de un barco en un mar tempestuoso simboliza la naturaleza tormentosa de su conexión posterior. En Love Letter de Vermeer, un barco bajo nubes siniestras sugiere posibles malas noticias.
Puede encontrar cientos de ejemplos de estas pinturas holandesas "dentro de la imagen" que alteran sutilmente el significado de la imagen principal.
Este artista de mediados del siglo XX es mejor conocido por sus pinturas que representan el noroeste de Inglaterra. L. Lowry a menudo pintaba enormes escenas urbanas con multitudes de "estafadores". Aunque fue popular, el mundo del arte durante mucho tiempo no reconoció sus pinturas, considerándolas triviales. De hecho, las pinturas de Lowry están llenas de sufrimiento humano oculto.
En el lienzo 1926 "Accidente" se dibuja una multitud de personas que se han reunido cerca del lago y lo están mirando. De hecho, el artista se inspiró en la escena del suicidio en este lugar, y la multitud se reunió para mirar boquiabiertos el cadáver del ahogado.
Otras pinturas de Lowry muestran personajes que ven peleas a puñetazos, personas infelices que son expulsadas de sus hogares o simplemente personas que miran por las ventanas con un estado de ánimo deprimido.
En ninguna imagen se destaca la tragedia. Todas las demás personas continúan viviendo su vida diaria, sin darse cuenta del sufrimiento de sus vecinos. En este mundo, estamos completamente solos y nuestro dolor no significa nada para los demás. Y este es probablemente el mensaje oculto más terrible.
¿Qué idioma es comprensible para todos los eslavos?
¿Qué error comete casi todo el mundo al utilizar un cuchillo de mesa?
ARTE E HISTORIA: ESENCIA DE INTERACCIONES Semenova A. N., Tarasova M. V. Universidad Federal de Siberia, Instituto Humanitario, Facultad de Arte y Estudios Culturales, Departamento de Crítica de Arte Krasnoyarsk, Rusia ARTE E HISTORIA: LA NATURALEZA DE LA INTERRELACIÓN Semenova AN, Tarasova MV La Universidad Federal de Siberia, el Instituto de Humanidades, el Departamento de Estudios de Arte y Cultura Krasnoyarsk, Rusia El hecho de la influencia de los hechos históricos sobre el arte a lo largo del tiempo es irrefutable. Los nuevos estilos en el arte surgieron debido a los cambios en la actitud del hombre hacia el mundo, que fueron el resultado del paso constante del tiempo, se registraron hechos históricos significativos en las obras de la cultura artística, como ilustrando la época. Además, cada persona de arte pertenece a una época determinada y al menos indirectamente, pero refleja en su obra la situación histórica real. Así, el arte se convierte en una especie de crónica de épocas cambiantes, registrando todos los cambios en el tiempo con mayor precisión que cualquier científico. Pero, ¿el arte siempre solo sigue a la historia, ahora poniéndose al día, ahora rezagada con respecto a los acontecimientos de la realidad moderna? ¿Acaso sucede que la historia se ve obligada a someterse al poder del arte y desarrollarse bajo su influencia de otra manera? Después de todo, como la historia, el arte es obra del hombre, y todo depende solo de qué tipo de personas en una época determinada serán más necesitado por una personaépocas en general: ¿gente que cambia la historia, o gente que crea ideales, obras de arte? Este problema sigue siendo importante en nuestro tiempo, ya que la influencia mutua de la historia y el arte crea una imagen del mundo de una época en particular en su conjunto. Si asumimos que el hecho de la influencia inversa es posible, entonces, para probarlo, es necesario considerar simultáneamente los procesos históricos y artísticos y comprender su interacción. Un evento tan significativo para la historia como la Guerra de los Cien Años de Inglaterra y Francia (1337-1453) se convirtió en toda una era dentro de la Edad Media europea y en el conflicto militar más largo de la historia de la humanidad. Estos tiempos fueron especialmente duros para Francia, cuyo territorio se convirtió en escenario de hostilidades y contradicciones internas. A pesar de todas las dificultades, Francia logró ganar la guerra de 116 años por su libertad, que en muchos aspectos fue traída al país por la gente común, levantada por los llamados de Juana de Arco y otros patriotas. Al mismo tiempo, el cultura artística de la época Guerra de los Cien Años se caracteriza, curiosamente, no por un declive, sino, por el contrario, por un fuerte aumento. En medio de la muerte y la enfermedad, el desastre y la destrucción, es paradójico construir templos góticos "aéreos" que ofrecen oraciones de una persona que sufre por la salvación de Dios. A finales del siglo XIV-principios del XV. el paso del gótico maduro de Francia al tardío se realiza en conexión con el deseo desesperado de una persona de salvarse en medio de todo lo que sucede a su alrededor, de gritar al Señor por cualquier medio. Este es el momento de las derrotas más duras para el país, prácticamente desprovisto de independencia y capturado por los británicos. Los templos del gótico tardío se alargaron aún más hacia arriba, elementos decorativos adquirir una forma de fuego dirigida hacia el cielo. Así como un fuego arde en el alma de un creyente, el templo mismo se vuelve casi completamente transparente desde las vidrieras, representando la Ciudad de la Montaña en medio del caos terrenal. Además, el desarrollo del propio tipo de catedral de la ciudad, que contiene (reúne) a toda la población de la ciudad y es su "corazón", es indicativo. Sus volúmenes fusionados unen a los creyentes en un solo impulso de oración de la misma manera que el movimiento popular unió bajo sus banderas a casi toda la población de Francia para luchar por la libertad de su Patria. La escultura del templo de los templos góticos, que revive las catedrales, en la era de la Guerra de los Cien Años, presta gran atención a la Madre de Dios. El fortalecimiento de Su culto habla de la necesidad en la cosmovisión de una persona durante la Guerra de los Cien Años de encontrar la paz con una Deidad humana cercana. Aparece aquí la imagen de la Madre de Dios y la imagen de la Madre de toda la humanidad, dispuesta a escuchar todos los dolores de un desdichado y trasladar las oraciones al Señor. El deseo de cambiar la terrible realidad se observa no solo en el arte del templo, sino también en literatura popular, donde aparecieron canciones, compiladas por gente común, que describen las dificultades de la vida y las esperanzas de un futuro mejor. Las imágenes artísticas creadas durante la Guerra de los Cien Años ayudaron a una persona a darse cuenta de que podía ganar, y la gente, unida por la fe y el patriotismo por el poder de las obras de arte, pudo liberar a su país. Una persona oprimida por acontecimientos históricos puede encontrar una salida a una crisis espiritual con la ayuda de la cultura artística. Son las obras de arte las que más afectan mundo interior hombre, cambia su actitud hacia el mundo. Una persona existe en una determinada realidad que busca cambiar. Esto es posible solo con la ayuda del arte, donde se crean espacios en los que una persona está rodeada por otro mundo (durante la guerra, se construyen templos). Ayudando a las personas a encontrar ideales, el arte les muestra el camino hacia una nueva realidad, las empuja a acciones que pueden cambiar el mundo que las rodea y, por lo tanto, cambiar el curso de la historia. El proceso de influencia de la historia en las artes y el arte en la historia no se detiene ni un momento. La influencia mutua enriquece a ambas áreas en desarrollo, lo que confirma la urgencia de este problema. dinamicamente
Algunos objetos de arte de fama mundial están cargados de secretos, que aún no han sido descifrados ni siquiera por los científicos modernos. En nuestra reseña, hay diez obras de arte con una historia misteriosa, que, sin embargo, las hace aún más atractivas.
A pesar de todas las teorías, nadie sabe exactamente quién fue retratado por Jan Vermeer en 1665 en el famoso cuadro "Chica con un pendiente de perla". Parece que no tiene idea de que la están pintando. Algunos decían que esta era la hija de Vermeer, otros que esta era su amante, y otros decían que se trataba de una imagen inventada, y en vida real nunca existió. Lo único que se puede decir con certeza es que la niña lleva una joya muy cara. La identidad del propio Vermeer sigue siendo un misterio. Se sabe muy poco sobre su vida. Quizás solo que Jan siempre vivió en la ciudad de Delft y tuvo 15 hijos.
Mientras restauraba una obra maestra del impresionista estadounidense del siglo XX Robert Read, el restaurador Barry Bauman se sorprendió al descubrir que otro lienzo estaba escondido debajo de la capa de pintura de la pintura que se estaba restaurando. Esta pintura oculta, llamada En el jardín, representaba a una mujer joven. Estaba sentada en una mesa al aire libre y leyendo algo, tomando té. Muchos artistas pintan sobre parte de la pintura, pero Reed, por razones completamente desconocidas, pintó una segunda pintura sobre la primera completamente terminada. Todo lo que se sabe sobre Reed es que era un ávido jugador y murió antes de la Gran Depresión en Estados Unidos.
A principios del siglo XX, Wally Neusel era la musa misteriosa del artista austriaco Egon Schiele. Apareció en varias de sus pinturas (incluidas las eróticas) y se cree que es su amante. Neusel provenía de una familia pobre en Tattendorf, Austria y conoció a Schiele cuando tenía solo 16 años. Con el tiempo, su relación se convirtió en una relación puramente profesional. Schiele abandonó repentinamente a Neusel en 1915 para casarse con una mujer más respetable.
Todavía se debate si la estatua de David de Miguel Ángel tiene un arma oculta en su mano derecha. Algunos sugieren que David tiene en la mano un fustibal oculto (un arma arrojadiza, que era una honda sujeta a un palo, que permitía lanzar piedras a una distancia de hasta 180 metros). Según la Biblia, David solo tenía una honda y cinco piedras cuando fue a duelo con Goliat. Desde la creación de la escultura de Miguel Ángel, todos pensaron que David tenía un cabestrillo en la mano. Pero algunos investigadores argumentan hoy que las correas del cabestrillo están unidas a algo en la mano de David, que muy bien puede ser un mango fustibal.
En un pequeño pueblo mexicano, se descubrió accidentalmente que la estatua de Jesús de 300 años tiene dientes humanos reales con raíces. Nadie sabe de dónde procedían estos dientes, ya que en las tradiciones religiosas de épocas anteriores se acostumbraba tallar el pelo y los dientes de las estatuas a partir de huesos de animales. La estatua de Cristo, creada en el siglo XVIII, iba a ser restaurada, ante lo cual fue iluminada con rayos X. Los restauradores se sorprendieron al encontrar dientes humanos perfectamente conservados en radiografías.
Gracias al uso de una cámara de infrarrojos durante la restauración, se descubrió una imagen completamente diferente bajo el retrato de "Ironer" (Pablo Picasso, 1906). Esta segunda pintura mostraba una imagen al revés de un hombre con bigote. Los científicos aún no saben quién era esta persona y si fue Picasso quien lo pintó. Se presentaron varias versiones, desde un autorretrato hasta el hecho de que es amigo de un artista.
En torno a la pintura "Estudio a la luz de las velas" todavía hay controversia: si pertenece al pincel de Vincent Van Gogh, o es una falsificación, como afirma su sobrino. La pintura parece un autorretrato de Van Gogh, pero su tercio inferior está incompleto y también contiene una imagen extraña que parece un actor de kabuki japonés. Esta imagen en la parte inferior del autorretrato se completó con tinta, no con pinturas. La pintura fue adquirida por primera vez por William Goetz, director de Universal Pictures, en 1948. En ese momento, se certificó la autenticidad de la obra. Pero más tarde, el sobrino de Van Gogh declaró que "Learning by Candlelight" era una falsificación.
Nadie sabe cómo el cuadro de Edgar Degas “Dancer Making Points” desapareció del apartamento de su antigua propietaria, la solitaria millonaria Huguette Clarke. Pero cuando la pintura apareció en la casa de Henry Bloch, coleccionista de arte y cofundador de H&R Block, Clarke presentó una denuncia ante el FBI alegando que la pintura era suya. Aunque Clarke nunca afirmó que faltaba la pintura y Bloch afirmó haberla adquirido legalmente, la pintura fue devuelta a Huguette Clarke. Después de eso, el abogado del millonario donó inmediatamente la pintura al Museo de Arte Nelson-Atkins. Clarke recibió una considerable compensación, a Bloch se le permitió colgar la pintura en su casa hasta su muerte, después de lo cual la pintura debe ser devuelta al museo.
En 1990, el robo más grande del mundo ocurrió en el Museo Isabella Stewart Gardner en Boston. Dos delincuentes, disfrazados de policías, secuestraron cuadros de Edgar Degas, Rembrandt y Jan Vermeer por valor de casi 500 millones de dólares. Durante 25 años, los investigadores han colaborado con decenas de personas que presuntamente hablaron en nombre de informantes con información sobre el secuestro. Pero cada vez que el asunto se paralizaba. Ahora, la recompensa por la información que conducirá a la devolución de pinturas ya asciende a 5 millones de dólares. Pero nunca se ha encontrado ninguna de las pinturas.
Mucha gente cree que solo hay una Mona Lisa: la famosa pintura del Louvre. De hecho, hay otro retrato en el Museo del Prado de Madrid, que fue pintado por el propio da Vinci o por uno de sus alumnos. Al mismo tiempo, el cuadro no es una copia del del Louvre. Curiosamente, la segunda imagen tiene una perspectiva ligeramente diferente que puede crear un efecto 3-D. Además, pocas personas saben que hay otra imagen de la misma mujer de Leonardo da Vinci: el cuadro "Isleworth Mona Lisa", que algunos expertos reconocen como la primera versión del lienzo.
